domingo, 25 de marzo de 2012

FREEDOM CALL “Land Of The Crimson Idol”

(SPV)

Hay un viejo tópico que dice que un disco en directo cierra una etapa y comienza otra. Al menos en el caso de Freedom Call, parece ser cierto. La genial trilogía que formaron sus primeras entregas en estudio terminó con “Live Invasion”. A partir de ahí, los siguientes tres trabajos, si bien tenían canciones con el sabor de los viejos tiempos, en general iban por otros derroteros musicales. No peores, pero sí diferentes. Tras “Live In Hellvetia”, en cambio, han vuelto a sus orígenes, con esas composiciones tan cañeras, festivas y comerciales que hicieron nuestras delicias al comienzo de su carrera. Los catorce cortes son una sucesión de himnos de los cuales perfectamente ocho ó nueve podrían ser válidos como singles. Temas sin complicaciones, directos, la práctica totalidad dura menos de cinco minutos. Arrancan con la power y cañera “Age Of Phoenix”, continúa la no menos cañera “Rockstars” con un estribillo tremendamente poderoso. Fijo que la escucharemos en directo. A “Crimson Dawn” la podemos calificar de épica, con el sabor de una marcha militar. También es preciosa “66 Warriors”, con tambores que recuerdan a los indios norteamericanos. “Back Into The Land Of Light”, es, como su título indica, la segunda parte de “Land Of Light”, con unos bonitos teclados muy similares. Si seguimos enumerando todas las canciones una a una no acabaremos nunca. Las más destacables son la simpática y cachonda “Hero On Video” (el videoclip, dedicado a los héroes del cómic, es un completo cachondeo), la genial y operística “Walley Of Kingdom”, la festiva y cañera “Rockin´Radio”, y el cierre del plástico, la alegre “Power & Glory”, aderezada con unas gaitas que le dan si cabe un toque aún más fiestero. El resto de temas (“Sun In The Dark”, “Terra Liberty”, “Eternity” o “Space Legends”) no son ni mucho menos malos, simplemente ocurre que es casi imposible mantener en todos el altísimo nivel de los antes mencionados. Quizá la que más desentona en el conjunto es la oscura “Killer Gear”. Por si esta última entrega no fuera suficiente, en la edición especial viene un CD extra en la que aparecen canciones de anteriores trabajos versioneadas por otros grupos. Son los siguientes temas: "Flame in the Night" por Power World; "Hunting High and Low" por Downspirit; "Fairyland" por Secret Sphere; "Place of Fantasy" por Manimal; "Land of the Light" por Neonfly; y "Warriors" por Hannes Braun. Como vemos, hay de todo, bandas conocidas y otros interpretes de los que no nos suena ni el nombre. Y con el el resultado de cada "cover" pasa más o menos igual, los hay con mejor o peor fortuna. Como siempre es todo cuestión de gustos. En lo que respecta a la música de Freedom Call, que es lo que de verdad interesa, esperamos que la nueva andadura dure por lo menos hasta el próximo disco en directo, están muy bien como están ahora y no tenemos ninguna necesidad de que cambien.
Nacho Jordán

viernes, 23 de marzo de 2012

H.E.A.T “Adress The Nation”

(Ear Music)

Uno de los lanzamientos más esperados por los seguidores del rock melódico acaba de ver la luz confirmando las buenas expectativas despertadas por el mismo y despejando, al menos a mí, cualquier atisbo de duda por el cambio de vocalista producido en la banda hace ya casi dos años. Todavía no he tenido la oportunidad de ver en directo a H.E.A.T con su nuevo cantante Erik Gronwall pero tenía muy buenas referencias de amigos que si le habían visto suplir con acierto a otro buen frontman como era Kenny Leckremo, y afortunadamente parece que la entrada de este nuevo miembro en el grupo no ha hecho más continuar la buenísima senda marcada desde que sorprendieron al Mundo con su debut discográfico en 2008, refrendándolo con buenos shows en directo y con un segundo trabajo algo menor “Freedom Rock” dos años después. Ahora este “Adress The Nation” creo que está a la altura del primero, sonando fresco, compacto, dinámico, brillante, y con unos temazos tremendos llenos de fuerza y melodía llegando a las cotas del mejor Hard A.O.R. escandinavo. La voz de Eirk se adapta perfectamente a las composiciones dotándolas de su personalidad pero siempre con las guitarras de Erik Rivers y Dave Dalone compartiendo protagonismo junto a las teclas de Jona Tee para crear sus fantásticas líneas melódicas, probablemente H.E.A.T sea una de las bandas que mejor consigue el balance adecuado entre estos instrumentos como lo hacían los mejores grupos del estilo en los 80’s, sin olvidar el tremendo despliegue de coros que llenan los temas sobre el sólido soporte que proporcionan el bajista Jimmy Jay y el batería Crash. El sonido que han conseguido es magnífico limpio y contundente, con ese regusto clásico tan difícilmente creíble resulta en estos días de mestizaje estilístico y de distorsiones excesivas tan frecuentes en las nuevas bandas. Basta con escuchar el  inicio con “Breaking The Silence” puro hard melódico poderoso lleno de garra y enganche con un buen solo de guitarra deudor de los mejores Europe, dejando más protagonismo para las teclas en las brutales “Living On The Run” absolutamente ochentera con un tremendo cuerpo vocal y muy pegadiza a pesar de no tener un ritmo excesivo, y en la rompedora “Better Off Alone” que se mete en la cabeza y es difícil de sacarla por su fuerza y solidez. Onda más americana, cercana a los primeros Bon Jovi, encontramos “Heartbreaker” un corte que bien pudiera haber firmado el mismo Desmond Child en sus momentos de inspiración más fiestera de nuevo con unos coros inmensos dentro de un ritmo más rockero que atrapa con la voz de Erik más rasgada, como sucede en la más A.O.R. y expresiva “Falling Down”  con marcados golpes de caja de Crash y de buen estribillo muy melódico. Más melodía aun con un toquecillo ingenuo y dulzón en la resultona “Need Her” con más teclas y voz que guitarras, equilibrándose más en la insinuante “It’s All About Tonight” de ritmo vacilón con unos curiosos cambios de tono en las voces que la dotan de cierto encanto. Aunque para encanto y clase los que tiene el tema más puramente A.O.R. del disco y uno de los más resaltables “In And Out Of Trouble” un medio tiempo lleno de elegancia con la aportación muy presente de un saxo que se combina a la perfección con las guitarras y teclas para conseguir una atmósfera apasionada que atrapa también por su gran estribillo. Los otros dos cortes más relajados del disco son la creciente e intensa “Downtown” llena de melodía con ligeros aportes sinfónicos donde la voz de Erik me recuerda un poco a la de Chris Oussey (Heartland), y la previsible pero igualmente competente balada “The One And Only” donde los coros vuelven a salirse sin dejar de lado el poderío de las guitarras y que no desentonaría entre los track lists de cualquier buena banda de finales de los ochenta que triunfara en la MTV a golpe de hard rock melódico, algo impensable a día de hoy por desgracia. Sin duda con este “Adress The Nation” H.E.A.T han vuelto a conseguirlo, nos devuelven a los buenos tiempos, siguen agrandando su nombre alcanzando en mi opinión el pódium del rock melódico, y son claros candidatos a pelear por ser autores del disco del año, por ahora ya están en la pole position.
Mariano Palomo

LA ESPERA “Con Luces y Sombras”

(Top Artist Promotion)

Desde Albacete descubrimos con su segundo trabajo a los chicos de La Espera. Un disco en el este quinteto ofrece una sencilla propuesta de pop rock divertida y variada, comenzando por el rock & roll guitarrero y autobiográfico de “La Espera” o de la más blues con toques de armónica a cargo del vocalista invitado Carlos Biosca “Yo Quiero Rock & Roll”, más cercana a gente como Los Enemigos la primera y a Platero y Tú la segunda, desprendiendo ganas y positividad con su alegre ritmo vacilón. Esos tintes guitarreros y rockeros los encontramos también en la expresiva y algo teatral “El Que Cabalga Solo” que me recuerda un poco al sonido de La Frontera, la viva y agradable “Que La Luna No Me Engañe” con la voz del cantante titular Baldo con cierto aire a la de Mariano Gil de Tako, banda a la que me también en suena la más suave “Buscando Un Hada” con unos coros femeninos que aparecen en bastantes temas. Especial protagonismo pare estos coros en la lenta con aires de cantautor “La Jungla de Asfalto” que seguramente agradará a los seguidores de Ismael Serrano y similares, como la más pop “Es Por Ti” con Serafín Zubiri como voz principal sobre unas correctas guitarras electroacústicas a cargo de Jose María “Chino”, o como la más poética “El Viejo Pirata” relatando una entrañable historia con un melancólico aporte de violín por parte del también guitarrista Miguel “Punky” Pereda. Mezclan esas tesituras recitantes de cantautor con guitarras más duras en “Con Luces y Sombras”, mejorando y metiendo más ritmo a la “stoniana” y fresca “La Fiebre Eléctrica” con un unos fiesteros coros “hooligans”. Se completa el CD con el cumplidor blues rock de cadencia lenta “Viste de Seda” en el que destaca su buena letra otoñal, y con la curiosa “No Hagas Planes En Septiembre” sencillo y divertido rock & roll costumbrista que invita a la feria de la ciudad manchega de los protagonistas de la obra, y que bien puede resumir el espíritu de esta en su conjunto.
Mariano Palomo

martes, 20 de marzo de 2012

CRYSTAL VIPER “Crimen Excepta”

(AFM / Avispa)

Los polacos Crystal Viper siguen consolidándose como una las grandes realidades del heavy metal underground (aunque hablar de underground a estas alturas de globalización tecnológica en la que estamos inmersos, es como hablar de sonidos “alternativos” patrocinados y estandarizados hasta la nausea, algo retórico a modo de etiqueta identificativa). Disquisiciones filosóficas aparte, la banda liderada por la enérgica cantante y guitarrista Marta Gabriel nos muestra una vez más su indisimulada devoción por la NWOBHM y por los precursores del heavy metal más directo, austero y auténtico de los primeros 80’s, pero en esta ocasión complementado por algunos matices más oscuros apropiados para la historia conceptual sobre la que se desarrolla la historia del disco basada en la Santa Inquisición, la magia negra y las brujas, mezclando ficción y hechos históricos. Además de la labor de Marta, me ha gustado mucho la aportación del guitarrista Andy Wave, creando ambos interesantes duelos de guitarra con buenas melodías y afilados riffs, mientras que el batería Golem y el bajista Tom Woryna cumplen sin complicarse mucho la vida. Se inicia la historia con la contundente “Witch’s Mark” con su ritmo vivo comandado por la voz de Marta potente y un punto rabiosa, seguida de la más pesada y oscura “Child Of The Flame” de reminiscencias Mercyful Fate con unas angustiosas voces en segundo plano que dramatizan el tema. Una referencia esta a la banda de King Diamond que me resulta recurrente en más pasajes del disco, como en la más larga “Fire Be My Gates” que se inicia con unas tétricas teclas acelerando sobre un marcial ritmo cabalgante con una clara melodía de bajo y guitarra de esencia Maiden de los primeros tiempos, que también marcan el final la sólida “Crimen Excepta” rodeada de un halo misterioso y en la que participa como invitado David Bower, vocalista de los ingleses Hell. Otro invitado que se deja notar aun más es Piotor Wiwczarek agresivo cantante de los death metaleros Vader que junto a Marta se marca un dueto en la pesada y arrolladora versión de uno de sus temas “Tyrani Piekel” que me suena más thrasher que otra cosa. Sonido más clásicamente NWOBHM a lo Diamond Head en la acelerada y enganchante “The Spell Of Death” con la voz desafiante y las guitarras dinámicas, como dentro del tono guerrero de “It’s Your Omen” motivada y misteriosa, como lo es la más pesada “Medicus Animarum” con más melodía y menos velocidad. “Hope Is Gone, Here’s New Law” es puramente clásica, guitarras dobladas, ritmo movido, voz recia, mientras que el tema final “Ghosts Of Sherwood” tiene una base cercana al power que la hacen más pesadita pero asequible. Disco que entra bien, con un más que correcto sonido y producción, y que supone un paso más en la interesante carrera de Crystal Viper.
Mariano Palomo

COLORSTONE “Into The Garden”

(CS Records)

En estos tiempos en los que dentro y fuera de nuestras fronteras muchas compañías despachan la promoción de sus artistas mediante descargas online, notas de prensa vacías, promos escuetas, distribuciones ridículas y demás actuaciones que casi les perjudican más que les favorecen, muchos grupos deciden sacar adelante sus creaciones por si mismos sin necesidad de depender de terceros. Dentro de este panorama, y gracias al contacto facilitado por Jesús García Forés, compañero del programa de rock melódico La Ciudad De Los Sueños (Vox Uji Radio de Castellón), los suecos Colorstone, concretamente su batería Olle Nilsson, se puso en contacto con nosotros para presentarnos a su banda y hacernos llegar su primera entrega discográfica. En apenas tres días tenía en mi buzón un digipack conteniendo un CD con nada menos que 17 temas y un DVD contiendo el “Making Of” del disco y los vídeo clips de dos de sus temas, “Soul Generator” y “Show Me All The Way” a la postre dos de los más destacados del mismo. Una vez desmenuzado el disco podemos decir que estamos ante un correcto y original trabajo de A.O.R. pero con matices que lo convierten en más variado y personal de lo habitual en este tipo de lanzamientos. Para empezar llama la atención la veteranía de sus componentes que tras haber estado involucrado en diferentes proyectos con Time Gallery como referencia más reconocible dentro del A.O.R.-West Coast a principios de los 90s, presentándose ahora con unos sonidos más actuales y rockeros sobre todo en lo que a guitarra se refiere, de hecho por momentos me han recordado ligeramente a los americanos Lillian Axe. Por ejemplo en la inicial de cadencia pesada “Into The Garden Of Destruction” que me deja un poco a medias para empezar, a pesar de la buena melodía vocal de Johan Dahlström que también aporta garra y crudeza en bastantes fases del disco, al igual que el guitarrista Fredrik Bergengren que muestra clase y energía en su labor con un notable regusto clásico. La cosa se va animando con cortes como la entretenida “Silverspoon” más hard americana donde Olle marca el ritmo con su percusión técnica y seca, y más aun en la pegadiza “Intoxicated” en la que aúnan estribillo claro, voces y coros melódicos y guitarras clásicas a lo Clapton, adornado todo ello por el punto sureño que aporta Jalle Lorentzon con su armónica. Cierto aire setentero aunque algo actualizado y poperillo se puede apreciar en la curiosa “Tonight’s The Night” complementada por algún detalle wimp, que también aparecen en la animada “Soul Generator” de voz insinuante y guitarras nítidas, en la más forzada algo edulcorada “Good Life” o en la envolvente electroacústica “Truly Mine” resaltando sus coros que recuerdan a gente como Open Skyz, al igual que en la lenta “Sometimes Down Is the Only Way Out” agradable y suave corte con encanto que acaba repuntando eléctrica con solidez, y en la personal y ligera “Show Me All The Way”. Mayor protagonismo para Jonas Sandquist, primero adornando la hard A.O.R. “One Of A Kind” dotándola de un original regusto árabe de teclados dentro de su buen ritmo, y luego marcando el ritmo con el bajo en la más moderna “To Be Someone” salpicada de toques funkies de guitarra. Uno de los temas que más me han agradado ha sido “Someone Else” una animada y optimista composición de A.O.R. rockero fácil de escuchar con buena instrumentación, bajando estas prestaciones en la ligerita “Find Myself” de ritmo cortado y buen estribillo, y sobre todo en la más áspera vocalmente “How Do You Feel” bastante hueca y con una parte rapeada al final. En los temas lentos, sin ser los que más me han convencido, se defienden bien, cumpliendo en “Flowing” con un ligero deje hindú, “The Secret” marcada por sus vaivenes de intensidad y por una producción más floja, y “Solitude Waiting” adornada por una suave aportación de violonchelo por parte de Mia Sandquist. Interesante y completo trabajo, con muy buen sonido en general, para escuchar con tranquilidad, y que no es sólo A.O.R.-West Coast como podría preverse viendo el historial de sus componentes.
Mariano Palomo

EDEN LOST “Breaking The Silence”

(Vaso Music)

Dicen que las cosas buenas se hacen esperar, y que lo que más cuesta es lo que más valor tiene. Sin duda con este nuevo disco de los madrileños Eden Lost podemos corroborar estas dos afirmaciones en toda su extensión. Siete largos años han tenido que pasar desde que nos engancharan con su magnífico debut discográfico “Road Of Desire”, algunas idas y venidas en el seno de la formación, periodos de inactividad casi absoluta, momentos de duda e indiferencia tanto mediática como por parte de la industria, pero al final las ganas y el talento se han impuesto y ahora podemos disfrutar de la docena de temas que componen este “Breaking The Silence”. Un disco que nos muestra a una banda madura, compacta y brillante, con más fuerza y actitud respecto a su anterior entrega, y donde por supuesto la melodía es la principal protagonista pero sin dejar de lado un deje más duro y rockero actualizando ligeramente su sonido (afortunadamente menos de lo que me temía tras escuchar algunas maquetas previas hace ya bastante tiempo). Vamos, que siguen haciendo hard rock melódico de altura como demuestran desde que atacan con el rotundo guitarreo de “Starting Again” donde nos encontramos con la voz de Ignacio Prieto más agresiva y nasal sobre unas tremendas melodías de guitarra a cargo de Jesús Laso y Javi Nieto siempre bien apoyados por el teclista Javi Gallego, y rematada por un magnífico solo de Jorge Salán, uno de los invitados junto a Jaime De La Aldea guitarrista de Khy que participa en la afilada llena de ritmo “Sun Keeps Shinning”. Aires más actuales para la rasgada pero muy melódica “Gotta Be Together” con muchos matices guitarreros que acaban haciéndola bastante interesante, al igual que la pegadiza “Breaking The Silence” llena de garra y pegada que hace que sus melodías vocales se metan en la cabeza sin remisión como diciendo “Aquí estamos nosotros” a modo de declaración de intenciones. El hard más clásico marca el insinuante ritmo de “Feel Free” incluso con un pequeño guiño blues, o la más pesada “No More Sorrows” donde se doblan las voces con acierto, para meter una velocidad más en la guitarrera carne de single “Ready To Rock” con la que supongo que abrirán sus próximas actuaciones ya que es ideal para enganchar al público por su estribillo directo y coreado sustentado por la tremenda solidez del batería Jorge De La Cuerda y del pluriempleado bajista Santi Hernández. Una base que resalta marcada en la más dura “March The 11th” tema compuesto hace tiempo dedicado a las víctimas del atentado del 11-M y que, sin abandonar la melodía, sigue vigente lleno de rabia y amargura sobre todo en la voz de Ignacio que transmite su sentimiento con fuerza, al igual que en la sencilla pero eficaz “Only Lies” de ritmo alegre y claro, o en la relajada “Times Are Changing” con sus profundas respiraciones que dan pie a buenos coros que complementan la clase y suavidad de sus teclas y guitarras que acaban de coger altura con un magnífico solo. Los otros dos temas más tranquilos del disco son el cálido medio tiempo “Hard To Believe” prácticamente en la misma línea que la anterior, y la envolvente balada “Locked In Your Heart” donde la susurrante voz de Ignacio destila una pasión amortiguada  dentro de unos sonidos más acústicos. Esperemos que con este gran trabajo Eden Lost den el salto que llevan buscando hace una década y que por fin se les reconozca su enorme valía, aunque por desgracia ya sabemos cómo está el patio.
Mariano Palomo

AT VANCE “Facing Your Enemy”

(AFM / Avispa)

Tras la publicación del recopilatorio “Decade” que parecía marcar el final de una etapa en 2010, los germanos At Vance, encabezados como siempre por su guitarrista y teclista Olaf Lenk, vuelven con renovadas energías ofreciendo nuevo disco en la línea habitual de la banda. Muestran la compacidad y laboriosidad habituales, aunque quizá sin todo el lustre que hacía brillar obras anteriores como “Only Human” o “Chained”, recordando excesivamente en muchos momentos a la etapa intermedia de Malmsteen con sus tintes power neoclásicos. No obstante esto no impide que el disco esté correctamente construido, con tramos interesantes, y con una figura como la de Rick Altzi que ha terminado por hacerse con el puesto de vocalista en una formación que siempre ha tenido muy buenos cantantes (Mats Levén y Oliver Hartmann). Otra de las aportaciones que llaman la atención es la del reputado batería Casey Grillo (Kamelot) que se ha hecho cargo de la grabación de los tambores en este disco, mientras que en directo será Tim Breideband quién formará la base rítmica junto al también recientemente incorporado Chris Hill al bajo. Como os decía la sombra de Yngwie cubre buena parte de los temas de este “Facing Your Enemy”, desde la inicial “Heaven Is Calling” que abre arrollando y enganchando con su penetrante guitarreo ligeramente barroco junto a la profunda y melódica voz de Altzi, que se convierte en más melancólica en el tema título dentro de una cadencia más áspera y pesada. Con una aire más clásicamente heavy aparece “Eyes Of A Stranger” en la que sus guitarras rítmicas a lo Accept son suavizadas por las teclas del propio Lenk que remata la faena con un virguero solo de guitarra, dando un aire más neoclásico a continuación a la relajada y engolada “Fear No Evil”. Sigue esta tendencia en la más heavy rockera “Live & Learn”, un tema que bien hubiera podido firmar el sueco junto a Dio con su rollo místico y barroco pero sin cargar, desmarcándose seguidamente con “Don’t Dream” una composición lenta y profunda donde la ausencia de ritmo es suplida por el feeling vocal de Altzi, que sigue sin arrancar en exceso en la rítmica de tempo medio “See Me Crying”. Se recupera el ritmo con la más power melódica “Saviour” sólida en su base y dinámica en su desarrollo enganchando bien, mejorando aun más con la más hard “Tokyo” de potentes y matizados registros vocales sobre en todo en su embaucador estribillo. La parte final del disco se inicia con los casi dos minutos instrumentales de “March Of The Dwarft” en clave power neoclásica que tiene continuidad con la reiterativa y peliculera “Fame And Fortune” de estribillo agudo y algo estridente, cerrándose definitivamente el CD con la sentida balada “Things I Never Needed” en la que, como sucedía con “Don’t Dream”, únicamente luce la voz de Altzi. Disco cumplidor, ni el mejor ni el peor de At Vance, y que seguramente seguirá gustando a los seguidores del grupo.
Mariano Palomo

miércoles, 14 de marzo de 2012

PRETTY MAIDS “It Comes Alive (Maid In Switzerland)”

(Frontiers / Mastertrax)

Una de las bandas más fiables y perseverantes del hard  & heavy europeo vuelve a ofrecernos otro buen trabajo en vivo. Un medio éste del directo en el que los daneses Pretty Maids se mueven como pez en el agua ofreciendo toda su calidad y carisma para mayor disfrute de sus fieles seguidores. Este “It Comes Alive” se registró el pasado 2011 en tierras helvéticas durante la gira de presentación de su anterior disco en estudio “Pandemonium” perfectamente representado en el set list junto a un buen puñado de clásicos del grupo y a algún tema más reciente que no aparecía hasta la fecha en ninguno de sus directos oficiales. Como siempre la voz cantante, valga la obviedad, la lleva el señor Ronnie Atkins que sigue desplegando magnetismo con su personal forma de cantar, muy bien secundado por los coros del gran Ken Hammer que vuelve a exhibirse con su guitarra y por los teclados de Morten Sandeger que tienen mucho peso a lo largo del disco, sin olvidar por supuesto lo bien que lo hacen los más recientemente reclutados Rene Shades (bajo) y Allan Tchicaja (batería). Tras una intro enlatada se inician las casi dos horas de actuación que se recogen en los dos CDs del trabajo con las rotundas “Pandemoniun” e “INVU” sonando con solidez y me da la impresión que sin excesiva postproducción. Sigue el recorrido con cuatro temas del pasado reciente de la banda, la magnífica “Hell On High Heels” guitarrera, melódica y cristalina, la alentada por el público “Wake Up To The Real World” que flojea un poco en los coros, la más acelerada “Destination Paradise” y el gran medio tiempo “Another Shot Of Your Love” llena de buen gusto. Se retrotraen a un más para dejar dos pildorazos de “Scream” su entrega algo menos reconocida de mediados de los ’90, el propio tema título aliándose con el público con su técnica pegada adornada por sonidos de teclados de aires árabes, y la lenta “Walk Away” alargada por el respetable mientras que la voz de Ronnie va creciendo. Vuelta al presente con la básicamente heavy “Queen Of Dreams”, relajándose de nuevo con “Savage Heart” temazo con mucho más encanto y sentimiento que ritmo repuntando eléctrica y melódica, para cerrar el primer CD con la asequible “Clay”. El segundo CD está plagado de hits de sus dos primeras obras fundamentales “Red, Hot And Heavy” y “Future World” que siempre están presentes en los shows de la banda, desde “Yellow Rain” y su brutal riff que rompe un inicio de teclas tranquilas, enlazando con la pegadiza de estribillo muy heavy “Rock The House”, cortando el ritmo con la intro “Fortuna” de la ópera “Carmina Burana” que da paso a la afilada “Back To Back” directa y efectiva como pocas con Hammer brillando, compartiendo a continuación protagonismo con las teclas de Sandager en la hipnótica “Rodeo” y en el mega single “Love Games” resultando siempre bien por su fuerza y comercialidad. La recta final se inicia con otra peliculera intro para llegar enérgicamente a “Future World” de nuevo con Ronnie haciendo partícipe al público, levantando el pie del acelerador con la última de las nuevas “Little Drops Of Heaven”, dejando para el final las inevitables y alargadas “Please Don’t Leave Me” chorreando pasión de nuevo con la guitarra de Hammer saliéndose junto a unos tremendos coros, y para los diez minutos de rasgueo y macarreo de “Red, Hot and Heavy” en la que intercalan un guiño al “Smoke On The Water” de Deep Purple. Una vez más Pretty Maids vuelven a marcarse un gran directo que como es habitual también tendrá su versión DVD para mayor goce de sus seguidores.
Mariano Palomo

JEFF SCOTT SOTO “Damage Control”

(Frontiers / Mastertrax)
Los seguidores de Jeff Scott Soto veníamos esperando hace tiempo un disco como este, sobre todo los que tenemos predilección por su vena más hard melódica aun apreciando y admirando todos sus proyectos donde se explaya en todo tipo de sonidos. Con este nuevo trabajo el cantante norteamericano retoma el sonido de entregas como “Prism” o como las que facturó con bandas como Takara o Eyes, dejando atrás los más experimentales “Lost In The Translation” y “Beautiful Mess” que sin estar para nada mal no llegaron a llenarme. Ese sonido a Eyes que mencionaba antes lo encuentro algo actualizado en la inicial “Give a Little More” rotunda en su base y potente en sus guitarras dando ritmo y sostén a sus melodías de voz que lucen en su estribillo coreado, y también la viva más melódica “Tears That I Cry” pegadiza con gancho con unas buenas guitarras coreadas que nos devuelve al Soto más A.O.R. Sigue esta línea con la destacada “How To Love Again” donde la clase se impone con un punto Journey doblando voces dentro de un gran ritmo, endureciéndose un poco en la sencilla “Die a Little”, en la más groove y actual “Damge Control” con menos ritmo pero con buena pegada, mejorando aun más en la dinámica y trabajada “Look Inside My Heart” con un gran solo que bien podía ser responsabilidad de Dave Meniketti, uno de los muchos invitados que participan en el disco (Jaime Borger, Casey Grillo, Joel Hoekstra, Edu Cominato, Gary Schutt…) pero que una vez más no han tenido el detalle de detallar donde participa cada uno en la nota de prensa. Una que sí sabemos de primera mano a quién pertenece, además de a Jeff, es la divertida y rockera “Krazy World” donde Jorge Salán, Carlos Expósito y Fernando Mainer dejan su huella, sobre todo con el sonido de guitarra marca de la casa del madrileño. La onda hard de guitarras crudas y sencillas impregna “Afterworld” sin olvidar la melodía pero con pegada y llegada en su estribillo arriba, relajándose un poco volviendo al A.O.R. en el optimista medio tiempo “If I Never Let Her Go” con las voces destacando sobre una instrumentación más suave quedando muy “radiable” para entendernos. Igualmente relajadas nos encontramos con la sentida y agradable “Never Ending War” con un punto evocador, y con la balada estándar A.O.R. “Bonafide” con la voz de Jeff llenándola de feeling junto a unos buenos toques de piano y a un gran solo de guitarra. Ya veníamos avisados, Jeff Scott Soto volvía a su versión más tradicionalmente melódica, pero con el tiempo uno se ha hecho cada vez menos confiado y hasta que no lo he escuchado no me lo había terminado de creer, afortunadamente esta vez se cumplen las previsiones y estamos ante otra gran entrega de uno de nuestros cantantes favoritos.
Mariano Palomo

FURYON “Gravitas”

(Frontiers / Mastertrax)

Dos años después de su primera edición que pasó prácticamente inadvertida, Frontiers, el sello por excelencia de los sonidos melódicos, reedita el primer larga duración de los metaleros británicos Furyon. Un disco que en principio no me dijo gran cosa, de hecho en una primera aproximación me pareció bastante flojo, pero que tampoco está tan mal y le he ido cogiendo el punto poco a poco, aunque ni mucho menos es para volverse loco. Destaca sobre todo la rotundidad de su sonido, que por momentos se torna embarullado y denso, pero dejando algunos interesantes aportes sobre todo de la mano de sus guitarristas Chris Green y Pat Heath. Por su parte el vocalista Matt Mitchell cumple pero no me llama la atención, expresivo pero excesivamente chillón y angustioso en algunos momentos, mientras que el batería Lee Farmery y el bajista Alex Bowen muestran buen nivel sobre todo en lo que a solidez se refiere. Dentro de los temas encontramos variedad siempre marcada por un sonido metalero actual salpicado de detalles progresivos y melódicos, arrancando con la saturada y áspera “Disappear Again” de escaso ritmo, que se dinamiza a continuación en la dura pero melódica “Stand As Stone” que es la que más me ha convencido junto a la balada “Our Peace Someday” en una onda más clásica con buenos matices vocales y con un limpio y sentido solo. También resultan bastante atractivas en una línea más progresiva las extensas “Fear Alone” que comienza lenta cortada por buenos riffs y expresivas melodías de voz, “Desert Sucide” con destacada presencia de los breaks de batería junto a unos suaves toques de piano marcando sus cambios de ritmo donde entremezclan dureza y melodía, y “Wasted On You” más cañera y rítmica por sus pesadas guitarras. Estas mismas premisas las encontramos en la más discreta “Voodoo Me” mejorada por su estribillo, o en la oscura “Souvenirs” densa y atormentada, cogiendo más brillo y ritmo en “Don’t Follow” con ligero aire hard intenso, que se afila en la inquietante “New Way Of Living” donde sus guitarras vuelven a sobresalir. No sé que tipo de expectativas tendrá Frontiers a cerca de este disco, pero me temo que, aunque ya han tocado terrenos más cañeros en algún lanzamiento anterior, con éste no van a dar el pelotazo, en cualquier caso el trabajo puede convencer a base de darle oportunidades.
Mariano Palomo

martes, 13 de marzo de 2012

JACK BLADES “Rock n Roll Ride”

(Frontiers / Mastertrax)

Después del buenísimo sabor de boca que nos dejó hace unos meses con el último disco de su banda madre, Night Ranger, ahora su líder, cantante, compositor, bajista, frontman, etc, etc, Jack Blades se da el gusto de sacar su segunda entrega en solitario. Bueno, lo de “en solitario” es un poco eufemismo, más bien habría que decir bajo su propio nombre, ya que la nómina de músicos de nivel que le acompañan es para tenerla en cuenta, empezando por sus propios compañeros de Night Ranger que aparecen al completo en los créditos, junto al hijo del propio Jack, a Robin Zander (vocalista de Cheap Trick), o al batería Brian Tichi (Foreigner) entre otros. Y la verdad es que el sonido de este disco, con matices, no se aleja mucho de los de la banda madre de Blades, hard rock melódico con energía y clase, con momentos tranquilos combinados con otros más guitarreros, y aportando en general un aire bastante optimista que tanta falta nos hace en estos tiempos tan grises que nos está tocando vivir. El ritmo vivo y contagioso de “Back In The Game” empieza a engancharnos con un sonido de guitarras actual pero sin saturar que cuadra dentro de su buena melodía y su matador estribillo, manteniendo el nivel en clave más cruda clásicamente rockera con el tema título “Rock n Roll Ride” donde la voz de Blades aparece más áspera pero sin perder una pizca de pegada y melodía por la aportación de su rica y sólida percusión. Sigue la alegría con la brillante “Love Life” llena de luz sobre todo por sus coros y por su melódico solo de guitarra que puede corresponder a Joel Hoekstra o a Will Evankovich que son los que aparecen en los créditos promocionales como guitarristas pero sin especificar, algo que si ocurre en la intensa “Say You Will” donde deja su impronta el gran Brad Gillis con su espacial aire ochentero de los primeros Night Ranger junto a un estribillo cristalino y a un ritmo melódico y efectivo que la convierten en una de las que más me han gustado. No se han quedado atrás temas más relajados a medio tiempo como “Don’t Give Up” con una sobresaliente labor vocal tanto de la saga Blades (Jack y Collin) como de Kelly Keagy magnífico como siempre en los coros, o en la bonita con toques slide y acústicos “Anything For You” con la notable aportación de Robin Zander dentro de una composición muy Cheap Trick. Esta misma fórmula pero algo más movida la encontramos en la pegadiza “Born For This”, o en la más sólida “West Hollywood” con cierto regusto Beatles en sus melodías vocales, algo apreciable también en la cumplidora más hard “Rise And Shine”, que ya se dejaba notar en mayor medida dentro del primer disco de Blades que tiene a los de Liverpool como una de sus mayores influencias. Los dos cortes más lentos, pero no por ello menos atractivos, con los que se completa el disco son la apasionada “Hey Now” convenciendo por la profunda voz de Jack y por su magnífica exhibición de guitarras eléctricas y acústicas creciendo sobre una sólida y matizada base, como sucede en la más romántica “Hardest Word To Say” mezclando poderío y sentimiento. Reconozco que con todo lo que tiene que ver con Night Ranger me puede un poco la devoción que siento por ellos, algo que se han ganado a pulso a largo de muchos años ofreciéndonos trabajos tan interesantes como este, que mejora bastante el anterior de su titular que me dejó un poco a medias. Por lo que parece el grupo en general y cada uno de sus miembros en particular se han puesto las pilas últimamente, que les dure mucho.
Mariano Palomo

miércoles, 7 de marzo de 2012

BIOSFEAR “Una Cura De Ilusión”

(Autoeditado)
Después de dejarnos hace unos meses "Antes De Que Todo Cambie", uno de los mejores discos de metal progresivo de los últimos años a nivel nacional, los chicos de Biosfear vuelven a sorprendernos ahora en formato acústico. Resulta impresionante ver como son capaces de desnudar y transformar algunos de sus temas llenos de elaboración y matices, para ofrecérnoslos en esta ocasión con un registro completamente distinto y casi irreconocible en algunos casos. No hay más que escuchar “Las Arrugas De Mi Piel” en clave jazz-soul con la voz de Gema Vau recordando mucho a la de Sole Jiménez (Presuntos Implicados) acariciando con suavidad, una apuesta tan arriesgada como agradable al oído. Más pasión en la emocionante revisión de “Reminiscencia” únicamente con Gema transmitiendo sentimiento, como en todo el disco, junto a las pulsaciones de piano de Javi Díez, que se torna más sinfónico combinándose con la guitarra acústica de Rudy Ramos en “Reflejo”. Más nostálgica aparece la romántica “No Desaparecerás” que coge mayor cuerpo con el bajo de Javier Sane y la claridad que aporta la guitarra que, me da la sensación que en este caso es de doce cuerdas a lo Jimmy Page, quedando para el final tema más animado “Mares Ahogados” con mayor ritmo y de nuevo con cierto aire soul-jazz con guitarras bien punteadas y rasgadas. Pero por si esto era poco, completan el EP con dos magníficas versiones. La primera “Human Nature” una composición de Steve Lukather que hizo popular Michael Jackson y que embauca con su punto ingenuo lleno de melodía sobre todo de piano, que se sobresale aun más en la segunda cover “Love Of My Life” de Queen que destila pasión y sentimiento con un inmenso sonido cristalino que pone los pelos de punta, por no reiterar una vez más el nivelazo de la voz de Gema. Sin duda esta “Cura de Ilusión” es todo un regalo y sirve de perfecto entremés hasta que Biosfear vuelvan a deleitarnos con su segundo plato de larga duración. Sencillamente delicioso.
Mariano Palomo

LOTT “Matando Al Rock And Roll”

(Autoeditado)

Tras el nombre de Lott nos encontramos con un interesante cantante y músico madrileño que después de un tiempo pateándose los escenarios da a luz a su primer disco totalmente autogestionado pero, eso sí, rodeado de buenos y competentes colaboradores, algunos de ellos bastante notables dentro de la escena rockera nacional. Según el propio Lott las canciones de este disco “describen sentimientos, cuentan historias e inmortalizan momentos”, por lo que cierto aire poético y de cantautor se deja notar en muchas fases, pero con una base rockera matizada por detalles que lo hacen accesible prácticamente a cualquier tipo de público desde el pop al hard rock, los más metaleros mejor abstenerse. Nos empieza a hacer mover el pie con el tema título “Matando Al Rock And Roll” que curiosamente es un tema fresco y lleno de vitalidad, sencillo y vacilón que cuenta con la participación del gran Tony Sölo cuyo timbre de voz no se diferencia mucho de el de el propio Lott creando ambos buenas melodías de voz acompañadas por el guitarreo de Juanjo Melero, compañero de Tony en Sangre Azul que también mete coros, en una onda Platero y Tú, Tequila, Status Quo. Este ritmo fiestero lo encontramos también en la pegadiza y sencilla “Tentación” destacando el sonido de pianola a cargo de Aléxis Fernández, y en la optimista “Una Actitud” con la participación en los metales de Tony Molina e Iñaki Arakistain dándole un toque muy particular. Se acercan al rock más clásico en la resultona “Mi Madrid” con un eficaz estribillo, unas guitarras algo “Stonianas” y una letra llena de contrastes a cerca de nuestra capital, que también sale a colación en los versos de la nostálgica “Cuando Era Mayor” una expresiva balada de aires soul góspel donde se deja notar la voz de Vivian Siles, un poco en la onda del “With A Little Help From My Friends” de los Beatles. En estos terrenos más relajados nos encontramos también con “Quimeras” donde las guitarras electroacústicas crean un cálido ambiente junto a la profunda voz de Angel Martín sonándome a Arturo Fernández vocalista de Básico, y con la más cercanas al pop rock “Juventud” suave con unas líneas vocales de cantautor a lo Antonio Vega pero con más guitarras tanto acústicas como eléctricas, “Suerte” con más ritmo de estribillo claro y reiterado arrastrando la voz de Lott, y “Esencia” más romántica dejando Melero el sello de su trabajo en solitario. Se completa el disco con la rockera de ritmo medio “Disfraz” que va creciendo aunque sea un poco gris y atormentada, y con la breve balada “6 de Noviembre” únicamente a base de voz y piano, bastante sentida pero algo monótona para cerrar. En general un disco agradable de escuchar, variadito, pero que corre el riesgo, como les ha pasado a otros, de quedarse un poco en tierra de nadie, pudiendo resultar demasiado popero para los más rockeros, o demasiado rockero para los más poperos.
Mariano Palomo

martes, 6 de marzo de 2012

DEVIL’S TRAIN “Devil’s Train”

(Ear Music)

Si hablamos de un disco en el que participan miembros de Stratovarius, Symfonia, Evergrey o Mystic Prophecy, uno lo que espera a priori es encontrarse con un sonido power metalero sinfónico, pero mira por donde en este caso nos sorprenden con un enérgico ataque de hard rock & roll metalizado. Guitarras rasgadas y pesadas, voces ásperas, actitud descarada, estribillos pegadizos, suciedad precisa, todo esto nos ofrecen R.D. Liapakis a la voz, Laki Ragazas a la guitarra, Jari Kainulainen al bajo y Jörg Michael a la batería, haciendo que pasemos un muy buen rato. Empiezan enganchando con el convincente ritmo de “Fire And Water” tema ganador de gran pegada con guitarras saturadas pero no saturantes e incluso con un ligero toque sureño. Después de esta primera andanada continua la caña con el tema que da nombre al grupo “Devil’s Train” igualmente intensa, dotada de una gran melodía vocal sobre todo en su estribillo coreado resultando tremendamente contagiosa, como sucede con la rockanrolera “Roll The Dice” tan sencilla como eficaz. Destacan también “Sweet Devil’s Kiss” hard rockera y muy melódica con mucho cuerpo resultando una especie de cruce entre Lynch Mob y Little Caesar, sobre todo por la voz de Liapakis, “Room 66 64” acelerada y fresca con su estribillo emboscado entre su buen balance de guitarras, “Yellow Blaze” electrizante con mucho feelin’ vocal, y “Coming Home” que dentro de su cadencia lenta mezcla guitarras duras con buenas melodías de voz recordándome un poco a las composiciones creadas por la pareja Ozzy Osbourne-Zakk Wylde. En un segundo escalón podemos situar la lineal “To The Ground” de ritmo pesado y desafiante, la más actual “When Find New Love” rotunda y cortada pero sin excesivo ritmo mejorada por un virtuoso solo de Ragazas, o las más pausadas “Forever” de guitarras crepitantes y desgarrada letra amorosa, y “The Answers” apasionado corte que comienza acústico rompiéndose por un saturado riff y un fuerte golpe de batería. Como colofón a este intenso viaje que nos proponen estos cuatro señores en su diabólico tren llegamos al final del trayecto con una endurecida versión del clásico de The Guess Who “American Woman” que hizo más popular Lenny Kravitz. Disco muy a tener en cuenta que aúna con acierto e intensidad algunos de los mejores elementos del hard rock y del heavy metal, esperemos que sigan en esta línea y no tarden mucho en crear a su sucesor.
Mariano Palomo

DEEEXPUS “King Of Number 33”

(Ear Music)

Si hay un género que no goza del favor del gran público, pero que no para de producir nuevos e interesantes trabajos este es el rock sinfónico-progresivo. Muchos de estos trabajos surgen de la unión de músicos de formaciones distintas que necesitan desplegar todo su talento y creatividad en más de un proyecto, como es el caso que nos ocupa con el segundo disco de la banda británica Deeexpus y con el que ahora les descubrimos. El nombre que más llama la atención en este caso es el de Mark Kelly, veterano teclista de Marrillion, que deja su sello en el sonido de este disco recordándonos la primigenia y para mi mejor etapa del grupo británico con Fish al frente. Kelly junto al líder y fundador del grupo Andy Ditchfield (guitarrista, teclista) y al vocalista Tony Wright, son los principales responsables de dar forma a esta obra que gira alrededor de la historia conceptual que le da título compuesta de seis capítulos, acompañada de otros cuatro temas de temática independiente. No quiero dejar de indicar la buena aportación de la base rítmica que forman el batería Henry Roger y el bajista John Dawson, que dotan de solidez y técnica al sonido del grupo. Un sonido pulido y trabajado en clave sinfónica como empezamos a comprobar con la inicial “Me And My Downfall” tranquila pero con cuerpo, con la voz de Tony matizada y personal y que se va animando con las guitarras de Andy que pasan de la suavidad  a la dureza con acierto para contrastar el punto fantástico y evocador que aporta Kelly desde los teclados. En la misma línea lenta comienza “Maybe September” con calidez y melancolía que se rompen por un buen ritmo progresivo de teclas y guitarras que crecen espectaculares y brillantes sobre la magnífica percusión de Rogers, que se atempera seguidamente en la instrumental “Marty And The Magic Moose” llena de detalles acústicos y de teclas dentro de unos técnicos cambios de ritmo. Se completa el cuarteto de temas “independientes” con la más actual y algo hueca para mi gusto “Memo” que cuenta con la participación del experimentado vocalista Nik Kershaw que le da un aire birt popero que me chirría, aunque acaba mejorada por un buen solo de guitarra. En cuanto a la parte conceptual de “King Of Number 33” se abre con “Paupers Parade” un breve discurso con instrumentación suave que precede a uno de los cortes más destacados del disco “Accension” que sin necesidad de acelerar nos muestra una complejidad con momentos dramáticos con gran protagonismo de las teclas de Kelly y de la percusión de Rogers, dejando unos riffs más duros en el último tercio del tema. Continua el viaje con la más sinfónica y envolvente “The Phycisian And The Traitor” con una bonita y algo atormentada melodía vocal, que desemboca en la convincente ambiental “The Hunt” con unas teclas que nos llevan a los sonidos de los primeros Marillion finalizando con un suave piano que enlaza con “Neverending Elysium” que va creciendo en su ritmo a base de percusión y guitarras trabajadas para crear otra bonita pieza algo épica llena de sinfonismo. El último capítulo “Rex Mortus Est” tiene una onda más hard con un Andy espectacular transmitiendo emoción y clase con su guitarra, recuperando el título en su estribillo recordándome a John Wetton y sus Asia. Disco elaborado, complejo por momentos, pero con la suficiente carga de melodías para resultar agradable y lo suficientemente asequible no sólo para los más acérrimos fans de los sonidos progresivos.
Mariano Palomo

lunes, 5 de marzo de 2012

AGGRESSION “Viocracy”

(Xtreemmusic)

Afortunadamente el thrash metal nacional sigue regenerándose contando con buenos referentes y algunas bandas incipientes empiezan a consolidarse dentro de un género que parece vivir una segunda juventud tanto en nuestro país como en el resto del mundo. Es el caso de los barceloneses Aggression, que tras sorprender hace casi tres años con su impactante y crudo “Moshspirit”, ahora suben unos cuantos peldaños con este elaborado “Viocracy” en el que se muestran mucho más técnicos y precisos, sin perder su pegada y agresividad innatas. Seguramente mucho habrá tenido que ver en esta evolución la producción de Erik Monsonís que ha conseguido un sonido limpio y compacto, junto a la entrada en el grupo del bajista Carlos Leonardo y del batería José Rosendo formando una nueva base rítmica. Por supuesto siguen resaltando los ataques currados y afilados desde los mástiles de Oscar Reka y Pol Luengo con este último poniendo la voz principal con acierto pero sin alardes, con la colaboración del resto de la banda en los coros típicamente tharshers que aparecen a lo largo del CD. El inicio rotundo y efectivo de “False Flags” ya nos indica por donde van a ir los tiros, thrash metal rabioso de base ochentera pero matizado y pulido, creando descargas tan efectivas y poderosas como la citada, o como la sólida de ritmo cortado “Chemical Slavery” que atrapa por sus técnicos y punzantes riffs y su estribillo a lo Testament. Tampoco está nada mal el tema título “Viocracy” donde resalta su enorme base rítmica atacando con violencia y precisión creando momentos arrolladores con la voz de Pol algo chillona, mientras que “MK Ultra” resulta más densa con un curioso final en forma de declamación quejosa que parece sacada de alguna película (ahora es cuando los cinéfilos me atizan por no haberla reconocido). Se recupera el dinamismo con “Get Mad” aplicando mayor ritmo con el bajo presente y la voz en unos tonos medios acompañada de coros esporádicos, que resultan más rotundos y directo en el estribillo de la pesada “Human Nature” que funciona a golpes de voz y queda algo embarullada. Un punto agrio muestra la, por otra parte, técnica “Awake Awareness” con un magnífico trabajo de guitarras cortando su ritmo y acelerándolo cuando es preciso, como hacen de forma expresiva en la más terrorífica de reminiscencias Slayer “Dehumanized” que acaba destacando por la furiosa aportación vocal de Pol y la pegada de José en la batería. Para el final nos dejan dos sorpresas en forma de composiciones instrumentales, la primera un curioso ejercicio de mezcla de estilos con el título de “Victim of Bias” en el que entrelazan sonidos que van del jazz-fussion al progresivo, pasando por la bossanova, el blues o el funky para terminar desvaneciéndose en clave thrash con un pesado riff. El cierre definitivo lo pone una versión algo endurecida de “YYZ” original nada menos que de los maestros del progresivo Rush, ejecutándola con bastante respeto y nivel, sobre todo por parte del bajista Carlos que se dejar notar con brillantez. Gran sabor de boca el que dejan con esta arriesgada cover y con el tema anterior, con los que parece querer decir, aquí estamos nosotros y no sólo sabemos meter caña, que también. De momento ya han conseguido llamar mi a tención y a partir de ahora les seguiremos más de cerca.
Mariano Palomo

THE KORDZ “Beauty & The East”

(Mass Records / Ear Music)

De cuando en cuando llega a nuestras manos algún lanzamiento procedente de tierras exóticas poco dadas a producir grupos o artistas relacionados con el rock. Es el caso de los libaneses The Kordz, que encabezados por el vocalista Moe Hamzeh, fundador de la banda en 1992 en la Universidad Americana de Beirut, han pasado una larga travesía por el desierto musical comenzando como banda de versiones, evolucionando hasta la formación actual tras numerosos cambios en su seno, y obteniendo por fin recompensa a su esfuerzo con este interesante “Beauty & The East” gracias al cual ahora les conocemos. Un buen disco de en el que mezclan bases y fundamentos sinfónico-progresivos con elementos autóctonos del oriente medio, sin dejar de lado cierta vena comercial en algunos momentos, para dar como resultado una elaborada e interesante colección de temas rematados por una notable producción. La voz de Moe resulta convincente, sin necesidad de hacer grandes demostraciones de potencia ni de técnica pero con mucho poso y cuerpo, ideal para los sonidos que proponen los guitarristas Alan Azar, Nadim Sioufi y Elie Aki, el teclista Mazen Siblini, el batería Abou Sons y el bajista Tony Bou Ghosn, todos ellos con buen nivel técnico, matizados por infinidad de detalles con la incursión de sonidos de instrumentos árabes que crean unas originales atmósferas en bastantes momentos. Eso sí, aunque apenas supera la hora de duración, el disco puede llegar a hacerse un poco largo por lo intrincado de sus composiciones en algunas fases, y requiere de atención por parte del oyente para poder apreciar toda su dimensión, no entra a la primera. Entre los temas más asequibles para el gran público podemos destacar la progresiva de ritmo marcado “Heroes n’ Killers” con un directo estribillo y unas guitarra duras pero efectivas, la más estándar “Last Call” con una buena melodía de voz que sobresale sobre la percusión árabe, la curiosa “Nothing Of Everything” algo artificial por su sonido de sintetizadores cibernéticos pero con gancho de nuevo con el deje árabe presente, que desaparece en la dinámica y poderosa “Purgatory” plena de técnica, pegada e intensidad a pesar de comenzar suave con un piano lento que enlazaba desde la anterior “The Garden”. Un precioso tema éste a ritmo lento en el que el sinfonismo preciosista de su instrumentación permite que brille la voz de Moe algo teatral y dramatizada, como ocurre seguidamente en la embaucadora “The End” acentuándose los aires árabes con sus sonidos de teclados y de cuerda similares a los del sitar, mientras que la atormentada de ritmo cortado “Don’t You Wait” aparece un original solo de un instrumento de viento parecido a la dulzaina dando un toque curioso. Como podéis ver la originalidad de sonidos es una constante en el disco, algo que ya se deja entrever desde la breve inicial a modo de intro “Coma Nation” que da pie al sinfonismo suave de “Deeper In”, pasando por la extraña “Insomia Kid” con la voz de Moe tratada con efectos cibernéticos, por la más dura con cierto encanto “Get Behind” que coge altura por sus adornos árabes centrales, hasta la evocadora “Beauty & The Beast” que nos transporta con sus envolventes sonidos a una jaima del desierto siendo otra de las destacadas con importante participación de instrumentos poco habituales. Esos sonidos lentos los encontramos también en el medio tiempo “Again” agradable pero monótono, y en “Save Us” que comienza melancólica con piano y acústica para acabar repuntando al final con mayor ritmo eléctrico. El disco se cierra con dos cortes que parecen relleno o bien podrían pasar por bonus tracks, ya que poco o nada tienen que ver con el resto, se trata de la pop rockera “Again” que incluso tiene cierto deje alternativo por sus guitarras saturadas dentro de un ritmo cansino, y la sencilla “Nic-O-Teen” que tiene un rollo noventero adolescente que parece sacado de la banda sonora de “American Pie”. Como decía anteriormente, disco interesante, para escuchar con calma y que vuelve a confirmar la globalización total de la música.
Mariano Palomo