TALIESYN “En Una Palabra”

(Vaso Music)

De tierras sevillanas nos llega el segundo trabajo de esta banda de nombre más que exótico. Según su web http://www.taliesyn.net/, su primer disco, del que no tuvimos noticia, se llamó “¡¡¡Más Vivo!!!” El grupo está formado por Alejandro como guitarrista y vocalista, José en la batería, Luis Manuel a los teclados, Alberto en la segunda guitarra y Jacinto al bajo. Son todos familiares, los tres primeros hermanos y los otros dos primos, pero tampoco viene mucho al caso, lo que importa al fin y al cabo es la música. ¿Y qué clase de música hacen? Pues yo me atrevería a decir que hard rock, no es exactamente heavy porque en general les falta un poco de caña para llegar esa categoría. Su originalidad son las letras, abordan problemática social como la inmigración ("Esperanza"), los malos tratos ("Vergüenza"), la indigencia ("Parias") o el narcotráfico ("Depredadores"), temáticas muy habituales en otros géneros pero no en el rock melódico. Y creo que es la primera vez que escucho un tema que habla del acoso escolar, “Infierno”. En conjunto es un disco que se deja escuchar bastante bien, salvo un par de cortes un poco flojos no se hace aburrido y la mayoría de las canciones son pegadizas. No sabría decir cuál me ha gustado más. “Esperanza” me ha encantado, pero no por ellos sino por la presencia de la vocalista invitada Mari Águila, del grupo Erosión. Quizá la cachonda “Consumo”, o el optimista medio tiempo “Reflexión”. O tal vez la rocanrolera y comercial “Liberación”. Si no sabes elegir qué canción es la mejor, creo que es un buen síntoma.

Nacho Jordán

MAL ABUSO “Seguimos Improvisando”

(DFX Records)

Tal y como podemos deducir por el nombre, nos encontramos ante un grupo de ese rock Made in Spain que fuera de nuestras fronteras nadie sabe catalogar. Ellos mismos son los primeros en mencionar como influencias a gente como Porretas, Reincidentes o Platero y Tú. Vienen de tierras levantinas y en realidad es su segundo trabajo. No he tenido oportunidad de escuchar el primero, “Rompe el Dolor”, así que no puedo saber su grado de mejora o evolución, pero sí puedo decir que este “Seguimos Improvisando” es un disco bastante bueno. Sobre todo al principio, los tres primeros cortes, “Vientos de Ensueño”, “¿Qué te Creíste?” y “Conmigo en Paz”, dejan de entrada y sin pausa un excelente sabor de boca con su mezcla de caña, comercialidad, alegría y optimismo. Según avanza el CD hay canciones igual de buenas y otras no tanto, pero esta trilogía ya te deja contento, predispuesto y con la sensación de que venga lo que venga detrás, ya te ha merecido la pena escuchar el disco. Y es que, aunque hay algún tema de protesta, como no podía ser de otro modo dentro de este género, la idea general de este redondo es la alegría de vivir, y el no ceder al desánimo por las putadas de este perro mundo. Quizá lo único que me no me convence es que algunas letras, por sus dobles sentidos, son difíciles de entender. Esto me pasa por ejemplo con “Monotonía” o “Tu Vocación”. Hay una lista de colaboraciones impresionante, pero la más destacable es sin duda la de Manolo Kabezabolo, quien, en “Mi Amiga la Cerveza”, tema oculto al final del CD que no aparece en los créditos, pone el broche final al disco. Lástima que esta canción fiestera y cachonda donde las haya no tenga su propio corte. Si quieres escucharla de nuevo tienes que tragarte otra vez el tema anterior. Por cierto, en la web del grupo http://www.malabuso.com/ te puedes descargar el disco completo gratuitamente, así que no hay excusa para no escucharlo.

Nacho Jordán

FLASHBACK OF ANGER “Splinters Of Life”

(Limb Music Products / Avispa)

Nueva banda de metal progresivo melódico que intenta abrirse camino desde Italia. En este caso se trata del sexteto Flashback Of Anger, unos chicos de los que no teníamos conocimiento hasta ahora que nos presentan su primera obra “Splinters Of Life”. Un interesante compendio de sonidos power metaleros, progresivos, sinfónicos y melódicos, bien ejecutados, con un sonido bastante digno, aunque algo carente de frescura y llegada por momentos. El nivel medio de sus componentes es bastante homogéneo y correcto, sin destacar ninguno sobre el resto, aunque con mayor protagonismo para los guitarristas Giulio Cercato y Matteo Bonini, y para el teclista Emanuele Giorgietti al que ayuda en esta labor el también vocalista Alessio Gori que cumple correctamente su tarea vocal, con algunos momentos bastante potentes y brillantes. Completan la formación el bajista Francesco Masini y el batería Antonio Sigismondi que conforman una sólida y competente base rítmica que sostiene una decena de trabajadas composiciones, amén de la épica y sinfónica intro “By The Gates Of My Dreams” que da apertura al disco. Tras ésta nos encontramos directamente con “All I Have”, un potente tema, melódico, de base power metalera y con adornos barrocos de teclas a lo Stratovarius con solo incluido, junto a unas crudas y sencillas guitarras, seguida en la misma línea por “Time Can Answer” tras un breve puente melódico y que se va endureciendo sobre todo con la voz de Alessio bastante más alta y mejorada y con unos retazos más orquestales y progresivos. Continua con la intensa y evocadora “Stars”, con más arreglos orquestales, con la percusión marcada, y en la que luce el piano junto a unos coros con mucho feelin’ dando paso al medio tiempo “A Void Within Me”, que va acelerándose con ritmo más heavy a lo Virgin Steele con unas guitarras muy marciales, rivalizando con otro buen solo de teclados. Vuelven los sonidos más progresivos y metaleros en la extensa y virguera “Splinters Of Life”, que se densifica con unos coros intermedios de ambiente misterioso que recuerdan a sus paisanos Rhapsody, para sonar más claros y directos con “Strange Illusion” cercana a unos Symphony X más melódicos en la que las teclas de Emanuele apoyan las saturadas guitarras de Matteo y Giulio, junto a unas subidas de voz más agudas de Alessio. Breve interludio, lento e intenso a base de piano y voz con “Outer World” a la que sucede la poderosa y progresiva “Back In The Nightmare” en la que comparten primeros planos las melodías de voz, guitarras y teclas, para romper con un cambio de ritmo más duro. El final lo ponen otras dos extensas piezas: la matizada “Off With My Heart” que comienza lenta y lírica para pasar por sonidos melódicos y pomposos de guitarra, progresivos de teclados e incluso con algún guiño jazz fusión, para acabar más dura y atormentada, cerrando definitivamente con la épica y guerrera “Flashback Of Anger” que da nombre al grupo, y en la que un inicio power de tendida cadencia y marcada percusión se ve sucedido por partes más rápidas y guitarreras, para pasar por bellos retazos acústicos y lentos toques de piano. Un final bastante completo y que bien puede resumir el sonido y capacidad de este interesante combo trasalpino. Para escuchar sin prisas.

Mariano Palomo

THE CHELSEA SMILES “The Chelsea Smiles”

(DR2 Records / Global Music)

A pesar de su nombre de raíz londinense, estos cuatro chicos que forman The Chelsea Smiles vienen directamente de California para ofrecernos su tercera obra, tras un LP y un EP editados anteriormente. Lo suyo es rock n’ roll guitarrero, con toques garajeros, algo glammies, y sobre todo bastante enérgico y directo, habiendo girado con bandas como Social Distorsion, Backyard Babies o The New York Dolls entre otros, lo que puede dar una idea de por donde van los tiros en este disco. Temas rascones con las guitarras del ex Danzig Todd Youth y de Sky Vaughn Jayne como protagonistas, rodeadas de buenos coros y sencillas y efectivas bases rítmicas, caso de la inicial algo garajera “Take You Away” con adornos de pandereta a lo Primal Scream, The Cult, de la dinámica y vivaz “On The Run” o de la divertida de agresivos y directos coros “Action Coming Down” entre las más destacadas. No les van a la zaga en la misma línea la fiestera, bailable y afilada en sus guitarras “Little Misfit”, la acelerada “The Last Time” en la que vuelve a aparecer la pandereta y que en su voz y cadencia de ritmo me recuerda a los Ramones, al igual que la más psicodélica “I’m Gone” en la que meten un sonido hammond en segundo plano que llena el tema, o en la más pesada de buenos coros “Gotta Get Free”. Los sonidos más sucios y opacos rondan en cortes como la sencilla “Leave You Cold” con el bajo como protagonista con un ritmo más lineal a lo Motorhead adornada por una curiosa estrofa cantada con megáfono, en la más machacona y monótona “Drowned”, o en las más alternativas, dentro de un orden, “Nothing To Lose” de ritmo cortado y “Sow Low” con la voz más saturada con ecos junto a unas guitarras lineales. Se completa el disco con “Broken Lullabies”, un correcto tema lento, algo sosillo, a base de guitarras acústicas rasgadas, voz y piano, con ciertas reminiscencias Guns n’ Roses, y que sirve para poner el cierre más relajado a un disco en general bastante frenético, sin excesivas pretensiones técnicas, pero bien tocado y con entretenidas composiciones.

Mariano Palomo

SUNSTORM “House Of Dreams”

(Frontiers / Mastertrax)

No es demasiado habitual últimamente encontrar un trabajo completo de A.O.R. que nos llene y convenza plenamente, pero de vez en cuando aparece alguna que otra perla en el mercado que nos hace volver a sentir la pasión y calidad de los maestros del los 80’s. Y si hay uno de estos maestros que ha sabido seguir haciendo proyectos interesantes y competentes este a sido Joe Lynn Turner. Inmerso en numerosas historias, más rockeras unas, más melódicas otras, pero siempre de gran calidad, ahora nos deleita con lo que es la segunda entrega de Sunstorm, una idea que surgió desde su compañía hace tres años y en la que Turner bien, apoyado por el incansable Dennis Ward, ha ido rescatando del olvido algunas composiciones del pasado que no llegaron a ver la luz, y ha sido capaz de recuperar el espíritu y sentimiento de antaño con estas y con otras de reciente composición a cargo de los Hermanos Tom y James Martin (Khymera, House Of Lords). Además de Dennis Ward (bajo, coros, producción), se encuentran como músicos en el disco Uwe Reitenauer (guitarra), Thorsten Koehne (guitarra), Chris Smith (batería) y Gunter Werno (teclados), desarrollando todos ellos un impecable trabajo lleno de elegancia, no falto de fuerza, y sirviendo como perfecto complemento para la buenísima y personal voz de Turner. El sonido en general del disco es puramente A.O.R. ochentero, con buena presencia de guitarras, con los teclados muy protagonistas, y con los coros y estribillos directos que caracterizan al estilo. El comienzo con “Divided” no puede ser más elocuente, teclas finas, ritmo alegre creciente, guitarras penetrantes y bunas voces que la hacen accesible y cercana, perfecta para abrir fuego. A continuación “Don’t Give Up” es algo más intensa y sólida, con la base más presente, pero igualmente muy melódica con un gran estribillo sustentado en unas buenas teclas de fondo y con la voz de Turner mostrándose apasionada y elegante, al igual que las guitarras de Uwe y Thorsten. Al más relajada es “The Spirit Inside”, un suave medio tiempo de buena instrumentación y menor ritmo que sirve para preceder a uno de los pelotazos del disco, “I Found Love”, clarísimo single, alegre, pegadiza, de enorme ritmo, estribillo y coros directos, y que podría haber sido incluida como banda sonora de cualquier película o serie televisiva de los ochenta, compuesta por Paul Sabu, al igual que “Forever Now” en la que repite la fórmula con parecido éxito y en la también tremenda “Save A Place In Your Heart” más melódica y romántica, pero con una clase y elegancia enormes sobre todo por la voz de Turner que se sale recordando a su primera época en solitario, bien secundado por el resto de la banda. Si hablamos de compositores destacados como Sabu, no menos bien lo hacen otros dos magos que aparecen en este trabajo, Jim Peterik y Desmond Child. El primero aporta su talento en tres cortes: “Tears On The Pages” un suave tema de vena Survivor en el que el piano y la voz copan el protagonismo con las guitarras más en segundo plano, “Say You Will” una preciosa e intensa balada llena de sentimiento en los mismos parámetros de la anterior, y “Gutters Of Gold” el tema más duro del disco, rozando el heavy rock, con unos buenísimos coros y estribillos y una fuerza desatada en sus guitarras con cierto aire a Praying Mantis. Por su parte Desmond Child firma una delicia absoluta de balada como es “Walk On”, un tema que ya incluyó en su momento Jimi Barnes dentro de su obra maestra “Freight Train Heart” y que le viene como un guante a la voz de Turner dotándola de un feeling y pasión enormes a los que colabora una maravillosa instrumentación, podía haber salido perfectamente de las sesiones de grabación de “Discipline” del propio Child. Completa el disco, justo antes de poner el cierre con “Walk On”, uno de los cortes nuevos obra de los Hermanos Martin y que da título “House Of Dreams” una composición en onda Pride Of Lions, con teclas y guitarras compartiendo protagonismo con energía, dentro de un ritmo más tendido, con la voz más opaca y rematada por un buen y rockero solo de guitarra. En definitiva, un gran trabajo que vuelve a mostrarnos a un Joe Lynn Turner pletórico y que nos rescata de la mediocridad demasiado extendida por desgracia en los últimos tiempos dentro de los sonidos melódicos.

Mariano Palomo

‘77 “21st Century Rock”

(Weight Recordings)

Por fin tenemos en nuestras manos lo que es el primer larga duración de los barceloneses ’77, una formación de puro rock and roll altamente influenciada por la primera época de AC/DC y que ya abrieron nuestro apetito hace unos cuantos meses con la publicación de un interesante EP de cinco temas. Este “21st Century Rock” mantiene el espíritu y actitud del EP, además de incluir tres de sus cortes, y nos trasporta a cualquier garito lleno de humo y decibelios a golpe de ritmos contagiosos y vacilones marcados por la batería y el bajo de J.T. Dolphin y Raw respectivamente, y por las guitarras de LG Valeta y de su hermano Armand que también se hace cargo del micro con su voz ronca pero limpia que recuerda tanto inevitablemente a Bon Scott y al Joe Elliot de los primeros discos de Def Leppard. En lo que a los temas se refiere la verdad es que no hay grandes altibajos ni cambios de estilo, el rock and roll clásico aparece en cada acorde de temas como “Gimme Rock’n’Roll” con su ritmo sencillo y efectivo, algo vacilón, al igual que en “Hardworking Liar” algo más blues y llena de rollo, palmas y coros aguardentosos incluidos. Así podemos seguir nombrando temas como la macarra y algo garajera “Big Smoker Pig” que tiene pinta de funcionar bien en directo por sus coros, al igual que las aceleradas puramente AC/DC “Wicked Girl” y “Less Talk (Let’s Rock)”, o la pegadiza algo boggie “Your Game Is Over”. Pasando por alguna más tendida como la algo sureña a medio tiempo “Shake It Up” que puede recordar a los Black Crowes, la bluesy y directa “Let The Children Hear Rock’n’Roll”, o la extensa y suave “Double Tongued Woman” bastante macarra también en sus voces. Cierra la entrega el tema que le da título, “21st Century Rock”, en la que la voz de Armand me recuerda más que nunca a la de Elliot dentro de un corte alegre de ritmo lineal y buenas guitarras dobladas junto a unos buenos coros. Cierre acertado para un buen disco, que tengo la sensación que puede funcionar muy bien en directo, esperamos comprobarlo pronto.

Mariano Palomo

THE TROPHY “The Gift Of Life”

(Frontiers / Mastertrax)

En estos días nos sorprende Frontiers con el lanzamiento de un nuevo proyecto en el que aparece el vocalista alemán Michael Bormann (ex Jaded Heart) bajo el nombre de The Trophy. Una aventura generada por el bajista, guitarrista y programador Todd Wolf (Human Fortress) que reclutó a Bormann y al teclista de sesión Marco Grasshof para dar forma a este “The Gift Of Life”. Un disco que suena muy bien en general, limpio, accesible, aunque en algunos momentos para mi gusto con más elementos modernos, electrónicos y computerizados de los necesarios, y en el que la voz de Bormann destaca por su fuerza y calidad junto a una instrumentación menos brillante. El inicio con el tema título no presagiaba gran cosa, ya que se trata de un corte opaco y lento, sin demasiado ritmo, pero que se va arreglando sobre todo por sus melódicas líneas vocales. Sigue algo el ascenso con “When The Nightmares Wake Me Up”, muy melódica pero algo poppie y almibarada, para empezar a convencerme más firmemente con “Get The Cup”, moderna de ritmo alegre y buenas guitarras y coros, y en la que las voces a lo Crunch destacan junto a un buen solo de Wolf, y sobre todo con la más cañera “Justice” con un estribillo que entra muy bien dentro de su alegre ritmo. Tampoco están mal el sentido medio tiempo acústico “Rescue Me” con mínimos y efectivos arreglos, la potente y rasgada “Can’t Get Out Of My Mind” en onda cercana a los Casanova de la última época, la atormentada “The Shades Of Grey” algo más sombría y electrónica, o la más densa y cortada “The Way” con unos curiosos arreglos de sintetizador. Mejor aun resultan las hard rockeras “Gloomy Days” actual, alegre y dinámica, con las guitarras bastante rasconas, “Liar” potente y recia, llena de buenos y directos coros, y la final “On These Wings” que en sus duras guitarras recuerda algo a Harem Scarem, destacando junto la penetrante y melódica voz de Bormann. Buen disco, dentro de lo que son los proyectos algo experimentales con el riesgo que esto conlleva, y que se hace agradable y fácil de escuchar, sobre todo por la gran voz de Michael Bormann.

Mariano Palomo

REVOLUTION RENAISSANCE “Age Of Aquarius”

(Scarlet Records / Locomotive)

Parece que tras su marcha de Stratovarius el habitualmente inestable Timo Tolkki quiere centrarse en el desarrollo de su proyecto Revolution Renaissance, dotándole de continuidad tras la publicación el pasado año de “New Era” y ahora de este “Age Of Aquarius”. Además, para la grabación de este segundo disco ya ha contado con una banda completa y estable, con la que ha compuesto loas nueve cortes que lo componen y con los que parece querer actuar en directo. Acompañan a Tolkki el vocalista Gus Monsanto, el batería Bruno Agra, el teclista Mike Khalilov y el bajista Justin Biggs, músicos de cierta experiencia y solvencia que aportan su trabajo para dar como resultado un interesante disco, con un sonido previsible y algo más pesado y menos alegre del que tenía la primera entrega de Revolution Renaissance, y que nos recuerda más a los primeros Stratovarius. Se abre rotundo y sólido con el tema título “Age Of Aquarius”, con cierto aire Queensryche en sus arreglos y percusión, y con la voz de Gus suave y potente, dentro de un desarrollo algo enrevesado, para continuar en una onda más power metalera con “Sins Of My Beloved”, acelerada con las voces más poderosas y las bases muy marcadas, embarullándose y pisándose las guitarras y teclas. Me convencen más la pasional “Ixion’s Wheel”, con las teclas y percusión más profundas, con un ritmo pegadizo y muy coreable para el directo, y en la que la sombra de Stratovarius cubre el corte, tanto por la voz muy a lo Kotipelto, como por sus arreglos orquestales. Dan una vuelta de tuerca más original y actual con “Behind The Mask”, tema sorprendente y agresivo, con las voces y guitarras más sucias y rasconas, y que dentro de su sencillez resulta curiosa aunque algo fuera de tono respecto al resto del trabajo. Vuelve a términos más académicos con el medio tiempo sinfónico “Ghost Of Fallen Grace” en el que los arreglos orquestales y la voz destacan sobre el resto de instrumentación, dotando al corte de un aire místico y atormentado. Sigue esta atmósfera aunque más sombría con la suave “Heart Of All”, llena de coros envolventes de aire evocador, con algún otro altibajo en su ritmo a golpe de teclas y batería rotundas pero sin acabar de rematar, para mejorar en la lenta “So She Wears Black”, densa, lírica, llena de matices orquestales, con el piano y la voz como protagonistas, creando una potente power ballad de nuevo en onda Queensryche. Siguen un camino similar con “Kyrie Eleison” oscura y lírica, suave con coros monacales llenos de mística y retazos de música irlandesa, que desembocan en la final “Into The Future”, la composición más alegre del trabajo, que con su folk rock de flautas y guitarras, que recuerda a unos endurecidos Dare de la última etapa o al mismo Gary Moore. Cierre curioso y alegre, para un disco en mi opinión inferior a su predecesor, pero que tiene bastantes cosas interesantes y que va ganando con las escuchas.

Mariano Palomo

HARDLINE “Leaving The End Open”

(Frontiers / Mastertrax)

Cuando ya pensaba que Hardline habían desaparecido del mapa, resulta que hace unas semanas nos encontramos con la noticia del lanzamiento de su tercer álbum transcurridos siete años desde su anterior entrega “II”, y nada menos que diez más del lanzamiento de su inmenso debut discográfico “Double Eclipse” que les dio a conocer en todo el planeta. Y la verdad es que ahora escuchando el resultado seguramente muchos pensarán que casi se lo podían haber ahorrado, aunque no hay que ser tan radical. Evidentemente el paso del tiempo, el cambio de componentes, el estado actual de la escena hard rockera, etc, etc, son factores que influyen a la hora de hacer un disco, y en esta ocasión el sonido dista mucho del que nos enganchó en el 92 con pelotazos como “Hot Cherie”, “Everything” o “Rythm From A Red Car”. Evidentemente pretender que recuperaran aquel sonido era prácticamente una utopía después de escuchar su anterior entrega, mucho más moderna, aunque aun así algo mejor que esta última. Y es que parece que el pesimismo y los sonidos grises e intimistas han aplastado la garra, vivacidad y energía de antaño, aunque sería injusto dejar de destacar algunos factores positivos, como el sonido limpio y melódico en general del disco, el buen aporte del experimentado batería Atma Anur (Cacophony, Richie Kotzen, Vicious Rumours...), y sobre todo la buenísima voz de Johnny Gioeli, único miembro fundador del grupo que continua en sus filas y que sin necesidad de forzar tanto como nos tiene acostumbrados muestra un muy buen nivel y un gran feelin’. El resto de la banda cumple sin demasiados alardes, Josh Ramos toca la guitarra más embarullado y sucio que de costumbre, el teclista Michel T. Ross no luce en exceso y el bajista Jaime Brown apenas se deja notar. Sobre los temas, en general bastantes medios tiempos, como la oscura “Voices” que abre el disco, con un ritmo moderno cortado de ambiente pesado y donde sobresale la voz de Gioeli, la bonita “Start Again” con unos arreglos de guitarra curiosos a lo U2 aunque sin demasiado ritmo, la densa “She Sleeps In Madness” más moderna y en la que destaca la percusión de Anur, o la más dinámica “Before This”. Por el contrario hay momentos más animados y hard rockeros, como en “Falling Free” que va ganando en su desarrollo, y sobre todo con “Pieces Of Puzzles”, alegre y más agresiva recordando a los buenos tiempos de la banda, rematada por un buen solo de Ramos, y con la briosa “Give Into This Love” cercana a Skid Row que se va acompasando y suavizando tras su arranque cañero. El resto prácticamente son baladas intimistas como “Bittersweet” la mejor de ellas con mucho sentimiento y buenas voces a lo Leppard, Kip Winger, “In This Moment” en la que sólo intervienen la voz de Gioeli y el piano de T. Ross junto a unos tristes arreglos de cuerda, o la melancólica “Leaving The End Open” que cierra el disco, precedida por la discreta y monótona “Hole In My Head”. Si esperabas una reedición de “Double Eclipse”, olvídate, pero si lo escuchas con la mente abierta y sin esperar demasiado puede que le saques algún buen momento.

Mariano Palomo

ANUBIS GATE “The Deatached”

(Locomotive Records)

Desde Dinamarca vía Madrid (Locomotive), se pone en circulación la cuarta entrega de Anubis Gate. En este caso se trata de una obra conceptual basada en una historia de ciencia ficción del escritor danés Martin Rauff en la que se narran los viajes en el tiempo de Bilao, una especie de humano con la capacidad de poder elegir en que época de la historia quiere morir. Concepto literario aparte, en lo puramente musical también encontramos bastantes elementos que nos llevan a distintos ambientes con toques de ciencia ficción, espaciales y cibernéticos, pero respetando una base más metálica y progresiva, además de bastante melódica. Se abre con la intro de voz robótica “On The Detached” que nos lleva hasta “Find A Way (Or Make One)” una composición cañera de ritmo alegre, con originales arreglos de sintetizador a cargo del vocalista Jacob Hansen algo flojo en su faceta principal en este corte de ambientación épica y orquestal. Mejoran las prestaciones vocales en la extensa y compleja “Yiri” donde se mezclan intrincados sonidos de sintetizadores, junto a las guitarras de Kim Olsen y Jesper M. Jensen, la percusión de Morten Sorensen y el bajo de Henrik Fevre que también mete buenos coros a lo largo del disco, logrando un sonido progresivo y melódico que hacen de este uno los temas más interesantes del trabajo. Más hard rockera y menos rebuscada aparece “Lost In Myself”, con las guitarras limpias marcando un ritmo pegadizo con su claro estribillo y con unos evocadores teclados de fondo, para volver a los sonidos más actuales y progresivos con “Dodecahedron” de guitarras más rasconas y cortadas. Llegamos a uno de los momentos principales de la obra con “Pyramids”, donde evidentemente los ambientes egipcios se apoderan del tema con unas trabajadas percusiones y guitarras creando un sonido misterioso, original y melódico, además de insertar un potente solo de guitarra de Kim que se va endureciendo a lo Queensryche. Se baja el ritmo y se oscurece el sonido en la melancólica “Out Of Time” en la que insertan elementos acústicos junto a la limpia voz del bajista Henrik que toma el protagonismo vocal, como hace posteriormente en otros dos temas. Vuelve la caña más actual y opaca con “Bloodoath” de ritmo machacón y guitarras saturadas, pasando a la melodía misteriosa de la breve “Ammonia Snow” que sirve de puente hasta la progresiva y futurista “Options-Going Nowhere” que se va casi a los diez minutos de duración en la que vuelve aparecer la voz de Henrik, al igual que en la extraña y original “A Lifetime To Share” que continua la línea de la anterior y que precede el cierre definitivo con la obvia “The End” que no es más que una breve outro electrónica y suave. Desde luego la originalidad y el trabajo tanto literario como musical no se les puede negar, pero en lo que a asequibilidad se refiere andan un poco escasos y hay que escuchar el disco con tranquilidad y paciencia.

Mariano Palomo

REGARDLESS OF ME “The World Within”

(Locomotive Records)

Desde Italia llega a nuestras manos en estos días la ópera prima de Regardless Of Me, formación liderada por el compositor, guitarrista y programador Emiliano Sicilia, junto a la vocalista Pamela Manzo, y que se completa con el bajista Enrico Cassano y con el batería Publio Torresani. Los cuatro dan vida a la decena de temas que conforman este “The World Within” con un sonido actual que podríamos definir como metal progresivo moderno, bastante melódico sobre todo por la dulce y limpia voz de Pamela, y con una sólida y contundente base instrumental matiza con arreglos y elementos electrónicos, con distinta fortuna a la hora de llegar al oyente. El inicio con “City Of Glass” es realmente potente y directa sin complicarse mucho y con la voz de Pamela suavizando las saturadas guitarras de Emiliano que marcan un ritmo vivaz y convincente, bajándolo a continuación en la intensa y melódica “No One Cares” y en la dulce, melancólica y algo gótica a lo Evanescence “Regardless”. Vuelve la caña guitarrera con “Wounded” más oscura e industrial, pasando por los arreglos electrónicos de la misteriosa y pesada “The Counterfeiter” totalmente instrumental a modo de prolongado interludio, para llegar a la destacada “For Eternity”, un muy melódico medio tiempo, que tarda en arrancar para dar una versión bastante cercana a Candice Night de la voz de Pamela sobre una instrumentación suave y matizada. Sigue la misma onda en “The Morning Light”, inicio lento, voz dulce y melódica, piano y voces dobladas, e intensificación final a base de guitarra y percusión redondeando una buena pieza, para continuar con otras dos inferiores como son el medio tiempo moderno y embarullado a lo Within Temptation “So Cold” y la electrónica y oscura “Thy Nature”. El cierre lo pone la electrónica y guitarrera “The World Within”, de nuevo recordando a Evanescence, con un original solo de Emiliano junto a la destacada percusión de Fulvio y a la brillante y cálida voz de Pamela, llenando sus más de nueve minutos de duración con algún denso cambio de ritmo. Disco original, actual, con buen sonido, pero algo espeso por momentos, y en el que destaca por encima de todo la gran voz de Pamela Manzo.

Mariano Palomo

DAWN OF TEARS “Dark Chamber Litanies”

(www.dawnoftears.com)

Como bien sabéis los que nos seguís no somos muy dados en Alianza a incluir en nuestros contenidos estilos con sonidos oscuros y extremos. Pero de vez en cuando llegan hasta nuestras manos lanzamientos con los que, debido a su calidad y nivel, hacemos alguna excepción y esta es una de ellas. El trabajo que nos ocupa, “Dark Chamber Litanies” es un EP de cinco temas que tras el LP “Descent” de 2007, supone la segunda entrega discográfica (ambas independientes y disponibles de forma gratuita en la web del grupo) del quinteto madrileño Dawn Of Tears. Una interesante banda de death metal melódico que comenzó a dar guerra hace casi diez años de la mano del guitarrista J.L. Trébol y del vocalista J. Alonso, junto a los cuales y tras algunos cambios de formación actualmente se encuentran el guitarrista A. Pérez, el bajista Konrad y el batería I. Pérez. El sonido del disco es ciertamente bueno y brillante, para nada lo oscuro que suelen ser este tipo de discos, y con un trabajo instrumental y compositivo muy destacable en el que se entrelazan elementos sinfónicos, clásicamente heavies y algún que otro retazo gótico. Se abre el CD con la extensa “Cadent Beating”, una intensa y compleja canción que comienza de forma misteriosa con unos arreglos de cuerda acompañando a unas sólidas y profundas guitarras, con buenos cambios de ritmo, creando la ambientación precisa junto a la oscura y agresiva voz de J. Alonso apoyada por el toque épico de los coros femeninos que aparecen y desaparecen a lo largo del disco. A continuación “Since They’re Gone” se muestra más densa, de poderosa base y limpias guitarras más heavies, contrastando con la voz agresiva y casi gutural, dentro de un ritmo más tendido y melancólico, mientras que en “Winds Of Despair” se revolucionan con un frenético ritmo que se va puliendo con la acertada percusión de I. Pérez, y en la que la influencia de Dimmu Borgir (con los que ya han compartido escenario) queda patente. Los aires más góticos y melódicos vuelven con “As My Autum Withers”, en el que se juntan teclas suaves y guitarras cañeras y limpias, con la voz rota cercana a Lordi dándole un aire terrorífico para ir acelerándose y embarullándose un poco al final. El cierre lo pone “Mr. Jarrod”, una curiosa composición en al que su engañoso comienzo lento de piano se ve sobrepasado por un ritmo más contundente y cañero donde se desbocan las guitarras y la voz de J. Alonso llega a la guturalidad, para después volver a tranquilizarse con unos sonidos más ambientales y melódicos. Un buen disco, de un estilo que no me llama apenas la atención, pero que en este caso me ha convencido bastante.

Mariano Palomo

GAUNTLET “What Doesn’t Kill Us...”

(Molusco Discos)

Ya lo decía Nietzsche... que lo que no nos mata nos engor... no, perdón… nos hace más fuertes (es lo que tiene que en Teletrinco y Telemandril nos pongan “Conan, el bárbaro” cada tres semanas, que uno se queda con la cita del comienzo de la película quiera o no quiera). Pues algo así es lo que viene a decir el título del nuevo larga duración de los madrileños Gauntlet, que hacen honor a todo lo que el lema implica y siguen más vivos que nunca y más gord… digo, más fornidos.
Es cierto, no puedo negar que siento debilidad por la banda y el estilo que practican desde sus comienzos: heavy metal contundente con vetas de power americano y múltiples matices entre los que no descuidan la melodía o la fuerza desbocada si es menester. Lo del trabajo de las guitarras ya es de otro planeta (concretamente de LV 4-26); espectaculares se muestran tanto Daniel Millán como Miguel Rocha, dos baluartes a la hora de plasmar la esencia de Gauntlet, realizando un gran trabajo lleno de detallismo, cuidado hasta niveles atómicos y preciosista por momentos, así como crudo y rotundo cuando el tema lo reclama. No es menos cierto que la base sónica, la contundencia y el despliegue de medios de Alejandro Martínez (batería) y Santi García (bajo) están a la altura y destacan más que nunca. Hay que subrayar que en el presente trabajo la labor vocal la recoge el propio Miguel Rocha (que ya en alguna etapa pasada de la banda tuvo que asumir el puesto de frontman) de la garganta del búlgaro Ivo Galenov y que cumple la tarea con solvencia, aunque puede ser la parte menos lucida (sin tilde en la u, malandrines) en algunos momentos. Otra de las características destacables de este “What doesn’t kill us…” en comparación con su anterior “Path of nails” y, en menor medida, incluso con su más reciente EP “The comeback”, es el espectacular sonido que se ha llegado a conseguir en los Newlife Studios de la mano de José Garrido y Daniel Melián, aparte de la ya habitual masterización en los estudios Finnvox de Helsinki.
Un trabajo redondo, de duración más que acertada (45’30’’, todo un clásico), que te desborda a la primera escucha, donde te atrapan la contundencia y el sello propio de la G. en “…Make us stronger” o en la revisión (o reversión) de su propio “Seeds of hate”; la mustainiana “The Hole” o la más melódica y deliciosa “Decade”, que para más señas no es una balada en absoluto. Pero después te das cuenta que el Cd es para darle otra vuelta más, y otra. Así descubres retazos especiales que se te escapan en una primera escucha, como la jagpanzeriana e increíble “Cross of shame” (que se ha convertido en una de mis favoritas de todas las épocas de la banda) o las actuales “In the name of ( )” o “Inner enemy”, de ritmos más pesados, que te puede recordar a unos Annhilator de su primera época. Por otro lado, las letras en el idioma de la pérfida Albión no dejan lugar a escapismos habituales en otros trabajos de la banda (Dani, no te dejes censurar que luego no hay quien escriba sobre nada en otras plataformas…), sino que se tornan crudas, deshumanizadas (casi un reflejo del cóctel molotov que nos lanza el desquiciado mundo actual), psicóticas por momentos, plenas de rabia incendiaria. Vamos, que la G. se levantó contenta ese día (si tienen el despertar torcido son capaces de plasmar terroríficas pesadillas sobre elfos, espadas mágicas y unicornios pasados de suavizante… ¡argh, demos gracias a Crom!).
Sin duda, un disco de gama alta, que lejos de sumir a la G. en la inercia insulsa de muchas bandas de hoy en día, los rearma para un estadio superior y destapa todo lo que puede dar la banda en un estudio y, doy fe, sobre un escenario. En esta ocasión, y como nos tienen acostumbrados, se han vuelto a superar. Enhorabuena.

Juanma Martínez

HUMA “Semilla Del Mal”

(Producciones Malditas)

Segundo trabajo de los gaditanos Huma y segundo espaldarazo para asentarse en la primera fila del panorama rockero nacional tras la irrupción, ya en un escalafón serio y profesional, con “Luchando A Muerte”, que destilaba un aire añejo a la vez que apuntaba nuevos horizontes para una banda con múltiples influencias internas y que debía dar más de sí. Esos aires nuevos ya están más presentes en este “Semilla Del Mal” que, debo reconocer, me ha sorprendido gratamente. En especial por la apertura de miras que dibujan los temas, no cerrándose a otros sonidos y variantes alrededor del propio heavy metal que, al fin y al cabo, es la base de Huma; sino que descubres desde el rock más clásico hasta el sempiterno heavy patrio o el thrash y el power metal en ciertos momentos, composiciones de reminiscencias más actuales y un sonido pesado y crudo, denso o decididamente melódico cuando se hace oportuno.
La formación andaluza tiene la peculiaridad de contar con dos cantantes solistas: Gloria y Salva, que dan un juego de matices a las composiciones a la hora de interpretar situaciones difícilmente alcanzables de otra manera, lo que enriquece el producto final que, como decía, ya es variado en su génesis y que es el mayor acierto de Huma: La variedad, que no da lugar al desaliento y sorprende en cada corte. Así, te encuentras canciones tan diferentes como “Rumbo hacia el sol” o “Llamas de traición”, con un aire más power metal y, enfrente, te topas con crudos y pesados ritmos en “Como tu sombra” (que luego muta para convertirse en un auténtico cañonazo de puro heavy metal sin concesiones) o “Catalepsia”. Desde luego, el heavy metal de corte más clásico también tiene cabida en rodajas como “Perdedor” o “Placer prohibido”, aunque siempre con sus matices. Me consta, además, que la mano y el látigo de Carlos Creador en la grabación y la producción han hecho posible todas las capas y detalles entrelazados en cada composición. No hay que dejar de lado el corte que da título al Cd, con un sonido ya reconocible y propio de Huma y la preciosa balada de aires ochenteros (o sea, con huevos u ovarios), “A fuego lento”, que también aparece en versión acústica. No cabe duda de que estamos ante un grupo rico en ideas y, a pesar de reconocer la labor de todos y cada uno de ellos: Luirry (guitarra), Ángel (bajo) y el ya mencionado Salva, quisiera destacar la tremenda labor y buen hacer de Pablo a la batería y la increíble garganta de Gloria, que igual se trunca en dulzura como se desgarra en lo más parecido a la malograda Azucena en su etapa con Santa que recuerdo (no en vano, fue la elegida para el sentido homenaje que se le hizo hace bien poquito en Madrid).
En resumen, una banda que está consiguiendo abrirse paso con buenas maneras y variedad dentro del panorama actual y que, sin miedo a equivocarme, creo que próximos trabajos pueden ser realmente grandes si siguen en la línea destapada en “Semilla Del Mal”. Esperemos que la mala leche que destilan las letras (que Crom pille confesado a quien vayan dirigidos esos dardos líricos) nos les haga tan mala sangre como para no darnos otra alegría en un futuro próximo.

Juanma Martínez

SHAKRA “Everest”

(AFM / Avispa)

Sin previo aviso nos encontramos en estos días con el nuevo trabajo de hard rockeros suizos Shakra. Una banda que ya cuenta con un amplio bagaje formado por nada menos que siete discos en estudio, contando que este “Everest”, y uno en directo, además de un buen número de giras y apariciones en festivales del viejo continente. En este nuevo trabajo repiten la fórmula de sus entregas más recientes, hard rock potente y actual, pero con un toque algo más melódico que aparecía en sus primeros discos. Los responsables de este sonido son prácticamente los mismos que han grabado “Rising”, “Fall” e “Infected” los tres trabajos anteriores del grupo, Mark Fox a la voz, Thom Blunier y Thomas Muster a las guitarras y Roger Tanner a la batería, con el único cambio de la entrada de Dominik Pfister sustituyendo a Oli Linder al bajo. Se abre el disco con la agresiva “Ashes To Ashes” contundente y directa con tintes actuales, a la que sucede la más tendida y melódica “Love And Pain”. Más dinamismo y saturación ofrecen con “Let Me Lie My Life To You”, con muy buenas voces con ecos y que se remata con un limpio y extenso solo de guitarra que me recuerda a los últimos Gotthard, al igual que la pegadiza “Regressive Evolution” de la mismas características, y la poderosa “Right Between The Eyes” llena de buenos coros. Entre medias cortes más tranquilos como la densa electro acústica “The Illusion Of Reality” rozando el medio tiempo con la suave y apasionada voz de Mark Fox, a la que acompañan unos tremendos coros en la balada “Why”, y que muestra mayores matices en la extensa “The Journey” con algunos cambios de ritmo marcados y agresivos. La melancólica “Anybody Out There” más cercana a los Leppard por sus profundos coros, mientras “Dirty Money” retoma el pulso con poderío dentro de un ritmo más lineal y actual, con la rotunda “Insanity” que se alarga en exceso, para poner el cierre con la intensa balada “Hopeless” plena de feelin’ marcada por el sonido de piano y unos directos coros llenos de melancolía y fuerza. Gran final para un buen disco que sin hacer nada del otro mundo resulta completo y entretenido.

Mariano Palomo

CUATRO GATOS “El Sueño De La Razón”

(Avispa)

Con un EP de adelanto que apareció hace unas semanas, Cuatro Gatos nos daban una muestra de lo que será la nueva andadura de la banda tras algunos cambios en su formación y tras varios avatares sufridos en el seno del grupo desde la edición de su anterior trabajo “Esferica” en 2005. Para empezar y como dato más relevante encontramos que Juanmi Rodríguez se hace cargo de la voz principal de la banda, sin abandonar los teclados, tarea en la que ahora le ayuda en directo el invitado Carlos Alvarez. Además como segunda voz descubrimos a la bella joven asturiana Covadonga Martínez (Covi), que pone un contraste más lírico, sin llegar a ser operístico, a la voz más seca y ruda de Juanmi. Por lo demás el resto de la formación es la habitual, con Pedro Vela mostrando su clase a la guitarra, y con Javier Canseco marcando el ritmo con su bajo, junto al siempre profesional y divertido Joaquín Arellano “El Niño”. La producción ha correspondido al propio Juanmi y al productor de cabecera de los estudios M20 David Martínez, ayudados por Federico Corral, siendo responsables todos ellos de un sonido más denso y oscuro en general de lo que nos tenían acostumbrados hasta ahora. Empezamos a percibirlo desde la inicial “Mañana Quizá Será Peor”, potente y algo saturada en la que la voz de Juanmi se muestra agresiva bien rodeada de unos competentes coros, y que ya habíamos escuchado en el citado EP de adelanto que se completaba con una metalizada adaptación inédita de “El Fantasma De La Opera”, y con otros dos cortes del LP, la más power metalera de tintes épicos “Contracorriente”, y con la versión acústica de “Adiós” que sin duda debería ser el primer single y que me convence mucho más en su formato desenchufado en el que lucen con luz propia los juegos de voces de Juanmi y Covi sobre un tema que moviéndolo en los canales adecuados puede hacerles llegar muy lejos. Algo que creo que ya se han empezado a plantear tanto el grupo como su compañía ya que han grabado un entrañable y sencillo vídeo clip en los locales Local Sur de Alcorcón, al igual que han hecho con la hard rockera de reminiscencias gótico-sinfónicas (toma definición), “Cruce De Caminos”, sin duda otro de los cortes destacados del disco que por momentos puede recordar a bandas como Epica o Nightwish por su teatralidad, estética y juegos de voces masculina-femenina. Ambos vídeo clips, además de los “Making Off” de “Cruce De Caminos” y de la grabación del disco, junto a una buena galería de fotos de la banda, los encontramos en el DVD que aparece como extra junto al CD. Volviendo a los temas, los encontramos más cercanos a lo que no tenían acostumbrados habitualmente, caso de “Entre El Cielo Y El Mar”, con un sonido muy reconocible de teclas pomposas, junto a unas limpias guitarras que dan esa atmósfera sinfónica tan del gusto del grupo y sus seguidores, al igual que la extensa “El Sueño De La Razón” en la que se explayan con sus instrumentos y voces, con la voz de Juanmi sonando en un tono cercano al barítono sobre un ritmo medio y una atmósfera misteriosa y evocadora. Temas más oscuros como “Tu Propio Dios”, de base power y ritmo acelerado me resultan más densas, con las voces de Covi y Juanmi compartiendo protagonismo, al igual que en la más extraña “Despertar”, algo más gótica y moderna que no le acabo de pillar el punto, como me sucedía en las primeras escuchas de “No Importa El Donde (La Playa)” a la que al final le he sacado más jugo con su sonido progresivo un tanto rascón, sólo con la voz más potente de Juanmi, y con un curioso solo compartido de sintetizadores y guitarra. Los momentos más lentos y relajados vienen con la oscura pero directa “Quiero Morir”, intensa y desgarrada composición en la que destaca la limpieza de sus voces y su tétrica orquestación, en la lograda balada, prácticamente power ballad, “Lo Que Hay Detrás” llena de sentimiento y profundidad tanto en su instrumentación como en su letra, y en la original y misteriosa “Un Brillo En El Bosque” que pone el cierre con el bajo de Javi y la voz de Covadonga prácticamente recitando una breve pieza curiosa y evocadora que pone el punto bucólico al final del trabajo. Un trabajo bastante completo (CD + DVD), en el que se ve mucho curro y dedicación, con temas muy interesantes, pero que en algunos momentos se me hace algo espeso por su densidad de sonido.

Mariano Palomo

SONUS DELAY “La Durmiente”

(Molusco Discos)

Original y curiosa propuesta musical la que nos muestran estos chicos madrileños que en este su primer larga duración oficial nos ofrecen doce cortes de difícil calificación y prácticamente imposibles de encasillar dentro de un estilo concreto. Si bien es cierto que la mano de Carlos Escobedo y Alberto Seara se deja notar en el sonido general del trabajo, con esos aires actuales que han marcado a las bandas de su entorno (Sober, Savia, Skizoo), también es cierto que echo en falta un giro más contundente y directo en las composiciones, que seguramente viene dada por la vena más ecléctica y progresiva de la banda. Estos ritmos progresivos actuales aparecen en temas como la inicial “Sed” donde guitarras y percusiones lucen dentro de un ritmo alegre pero amortiguado por una atmósfera que se va ensombreciendo, en la más experimental “Inerte” de curiosa percusión que se va endureciendo, en la melancólica “Uno Menos Uno” de marcados cambios aunque algo falta de consistencia, o en la más asequible y dinámica “Laberinto” con buenos cambios de ritmo. Cambios que también encontramos en la más alternativa “Polaris” donde alternan guitarras suaves y rasgadas sobre una marcada base rítmica, o en la taciturna “Sistemático” que me recuerda a unos Sober más light y donde se echa en falta algo de garra. Algo que sí aparece en otros cortes como “Invisible” más potente y agresiva, o en la curiosa de tintes étnicos con sonidos de cítara incluidos “Salida” en la que me sobran algunos adornos modernos. El resto de temas son bastante lentos y carentes de ritmo, metiéndose en densos sonidos acústicos y ambientales como en “Cruza El Cielo” que destila buen gusto dentro de su gris atmósfera, en la algo psicodélica “Réquiem (La Durmiente)”, en la breve e intimista totalmente acústica “Lane”, o en la apagada “P.D.” que cierra prácticamente a modo de fade out. Un final gris para un disco algo gris, pero que tiene su punto de encanto.

Mariano Palomo

JORGE SALAN “Subsuelo”

(Pagana Records / Warner Music)

Cuando se unen talento y trabajo, normalmente el resultado no puede ser malo. Pero si además esta combinación se aliña con las dosis necesarias de profesionalidad, humildad y buen gusto, el material resultante logra unas cotas de brillantez y calidad raramente obtenibles. Pues el señorito Jorge Salán ha vuelto a conseguirlo con este su ya cuarto trabajo en solitario, con el que vuelve a dar una vuelta de tuerca más a su carrera aportando nuevos registros y sonidos, pero sin dejar de lado la base que ha mantenido todas sus creaciones. Sacando tiempo de donde no lo tenía, moviéndose por distintos estudios de la geografía nacional, escribiendo en la furgoneta, entre gira y gira, dando clases de canto y perfeccionando su técnica instrumental día a día, en definitiva, sin parar de currar y con un gran esfuerzo, finalmente se ha visto recompensado con el lanzamiento de “Subsuelo”, cuyo resultado final no puede ser más sugerente y versátil. Los datos técnicos y una primera valoración de los temas del disco ya la hicimos hace meses cuando tuvimos la ocasión de darles una fugaz escucha en los estudios Krea Film & Sound, por lo tanto no nos repetiremos y os remitimos al Studio Report publicado aquí en el mes de noviembre, y me centraré en las sensaciones que me ha transmitido cada uno de los cortes y el conjunto de los mismos. Lo primero que quiero destacar es la variedad y frescura que desprende el trabajo en general, con un gran sonido y producción, y con un sello muy personal cada vez más marcado por parte de Jorge, seguramente por el hecho de hacerse cargo de la voz principal y de darle cada vez más protagonismo, de hecho no encontramos ningún tema instrumental. Pero eso sí, no ha renunciado a contar un par de buenos elementos para ayudarle en tareas vocales y que redondean el elenco de músicos que han completado un gran trabajo. Comienza con “Mystic Highway”, una composición llena de garra y potencia perfecta para engancharnos desde el inicio y que tiene una muy curiosa intrahistoria que se refleja tanto en la letra como en su frenético ritmo, rematado por un galáctico solo lleno de rapidez. Se endurece y oscurece el panorama a continuación con “The Dragon”, uno de los temas más duros que ha grabado Jorge en su carrera y en la que se refleja una sombría historia alrededor de la heroína (significado en jerga de "Dragon", algo así como "Caballo" en español). A continuación un par de cortes más actuales, la hard melódica “You Will Stay Alive” que perfectamente podría haber sido elegida como primer single, pero ese honor le correspondió a “The Pride On The Top” más contundente con una comprometida letra contra los gobernantes que tienen el mundo en permanente conflicto, alejada de lo que Jorge nos tenía acostumbrados con unos curiosos dibujos y riffs de guitarra cercanos al sonido de gente como Rage Against The Machine, pero con mayor melodía y menos machacón. Además la canción está acompañada por un buen video clip de producción e imagen actual del que es responsable Mario Ruiz que también se encarga del acertado y original diseño y fotografía de portada y libreto. Se relaja con “Losing My Mind”, un tema más tranquilo a medio tiempo en el que la participación de los violines y las guitarras acústicas le dan un toque celta-irlandés que tanto le gusta también al madrileño y que siempre suele incluir en sus lanzamientos. Más hard rock potente, de base metalera con “Avoid The End”, un corte que me ha ido convenciendo cada vez más tras sucesivas escuchas, al igual que “Trouble Walking”, un pedazo de composición macarra en la que pone la voz Danny Vaughn (Tyketto) dándola un toque algo sureño y en la que Jorge se lanza con la armónica como si estuvieran en cualquier garito lleno de humo y de bourbon, al más puro estilo “Cruce De Caminos”. El contraste más intimista y melancólico lo pone “No Going Back”, un tema profundo en el que aflora la pasión bluessy tanto en la guitarra como en la voz de Jorge, al igual que en la más setentera y algo western “Behind The Lights” bien acompañado en la eléctrica y acústica respectivamente por Jordi Pinyol y por Ramón Arroyo (Los Secretos). El final lo pone con las letras en castellano en dos cortes que tienen su miga. El primero de ellos que da título al disco, “Subsuelo”, cuenta con la colaboración del mítico Miguel Ríos, que pone su voz al servicio de una dura letra urbana sobre una instrumentación acústica-western que la llena de intensidad y clase. El otro tema cantado en la lengua de Cervantes, en este caso por el propio Jorge, aparece en el disco a modo de tema extra, y es todo un homenaje a los locutores de las radios rockeras, su título lo dice todo “Radio Rock”, y la letra es obra de uno de los clásicos de las ondas rockeras españolas como es El Pirata y en ella nos vemos reflejados los que seguimos poniéndonos nerviosos frente a la luz roja del estudio. El tema fue grabado íntegramente por Jorge en su propia casa, sin muchos medios, pero la verdad es que no se aprecian deficiencias de sonido, y además compositivamente es de las que más me ha gustado del disco con un ritmo y unas guitarras tremendamente hard rockeras y pegadizas. Una guinda perfecta para un grandísimo trabajo que debería acabar de poner a este enorme músico en el primer escalón de nuestra música. Feliciadades.

Mariano Palomo

EDGAR ALLAN POE “Legado De Una Tragedia”

(DFX Records / Locomotive)

Cuatro años de arduo trabajo, más de cincuenta personas involucradas, lo más granado del hard & heavy nacional unido por una causa , y la sabia y brillante dirección técnica y artística de Joaquín Padilla y Jacobo García han dado como resultado una de las obras más completas y sugerentes que se han publicado en España en mucho tiempo. La apuesta sin duda era arriesgada, pero al final ha sido claramente ganadora ofreciéndonos la posibilidad de disfrutar de un trabajadísimo CD que sorprende a cada momento por su calidad, originalidad y versatilidad. A los buenos de Joaquín y Jacobo, desconocidos para la mayoría de los seguidores del hard rock y el heavy metal dado que desarrollan su carrera musical con los pop rockeros Iguana Tango, se les ocurrió que por qué no podía llevarse a cabo en nuestro país una ópera rock del nivel de las que se hacen en el extranjero, tipo Avantasia o Nostradamus, y que tanto nos han hecho disfrutar, y como hilo conductor y base literaria escogieron la figura del gran escritor norteamericano Edgar Allan Poe. Una personalidad que ya ha sido referente e inspiración para numerosas formaciones de nuestro rollo y que dada su tormentosa y azarosa existencia se convierte en un perfecto argumento al que está inspirada pareja le ha sacado un tremendo jugo y brillo. Enumerar del tirón a todos los músicos que participan en la obra sería tan farragoso como pesado y además aunque todos ponen su arte al servicio del proyecto en mayor o menor medida, evidentemente no todos tienen el mismo peso en el mismo, y lo mejor es ir mencionándolos según vamos desgranando los temas. La obra se desarrolla en dos actos, “Crepúsculo” y “Ocaso”, en los que se narra la biografía y vivencias más destacables de la vida de Poe, adornado por algunas piezas basadas en sus obras, caso de “El Cuervo” y “El Péndulo”, y que se rodea de una tremenda teatralidad de la que dota a los temas una remarcable orquestación que también ha corrido a cargo del propio Joaquín Padilla. Se abre el primer acto con la sombría instrumental que le da título y que nos lleva hasta “Gato Negro” que se desarrolla en el cementerio de Baltimore donde está enterrado Poe y en la que asistimos a un intenso diálogo entre el Enterrador (Alfred Romero – Dark Moor) y el protagonista principal Edgar Allan Poe reencarnado en un Gato Negro (Leo Jiménez – Stavaganzza), lleno de teatralidad y con un aire total a musical tipo “El Fantasma De La Opera”, por cierto ambos vocalistas, sobre todo Leo están a un nivel enorme. Continua la historia con “Atormentado” en la que después de un montón de años volvemos a escuchar la voz del ex vocalista de Sangre Azul Toni que no ha perdido un ápice de calidad y fuerza para ponerla al servicio de uno de los temas más destacados del disco lleno de dinamismo y melodía, con buenos solos incluidos de su ex compañero Juanjo Melero y del ex Sobredosis ahora en Dr. Snake Pajarito, en una onda bastante cercana a lo que nos tenía acostumbrado en su banda. En este tema Toni encarna el papel de La Muerte al que ponen réplica Jacobo como Padre de Poe y J.F. Bejarano (ex Cuatro Gatos) como Tío de Poe dando un buen nivel en ambos casos. Se ralentiza el ritmo con la breve instrumental “Preludios Nocturnos” llena de melancolía a base de piano y guitarras profundas tanto españolas como eléctricas a cargo de Abel Franco y Rubén Villanueva (Ebony Ark) respectivamente. Vuelve la agresividad y teatralidad con “Encontrar Mi Sangre” otro de mis cortes favoritos lleno de intensidad y pasión en el que se enfrentan con encono Poe y su tío debido a la imposición a la que le ha sometido este último haciéndole ingresar en el ejército contra su voluntad, acompañan con sus voces Nacho Ruiz (Arwen) como Coronel y Dani Aller (Ars Amandi) como soldado completando una acertada ambientación en la que mucho tiene que ver la densa orquestación que acompaña el buen trabajo de guitarras de Paco Moreno (Ars Amandi) y Luis Cruz (Sherpa) que sobresalen en este tema. Tras este derroche de intensidad vuelta a la melancolía con la breve e intimista “Delirios De Amor” en la que luce con fuerza la voz de Patricia Tapia (ex Nexx) en el papel de Virginia la mujer de Poe, sobre el piano y orquestación de José Villar. Mucho más alegre se torna el panorama con “Visionario” en la que con su ritmo pegadizo de hard rock melódico muestra su clase y poderío Ignacio Prieto (Eden Lost, Atlas) en el papel del detective Auguste Dupin, creado por Poe, y donde narra su historia con un enorme estribillo acompañado por la siempre brillante labor instrumental de los Hermanos Arias, del guitarrista Abel Franco y del teclista Hugo Bistolfi (Rata Blanca). Continua la línea directa y hard rockera, aunque algo más dura, con “El Cuervo”, el famoso relato del “Nunca Más” al que pone voz Fernando García (Victory, Godiva) al que escuchamos en castellano y en muy buena forma, acompañado de nuevo por Luis Cruz y Abel Franco a las guitarras y por el batería Javier Martín y el bajista Rafael Requena (Dr. Snake) que ponen la base rítmica a la mayoría del disco. Se desmadra un poco la historia en la fiestera llena de coros a lo “Fiesta Pagana”, “Mar Adentro” en la que Dickens, al que ponen voz José Luis Jiménez y Lele Laina, intenta convencer a Poe para que siga trabajando en su obra literaria y le promete publicársela en Inglaterra, aunque finalmente no será así. El cierre al primer acto lo pone la breve oscura y tétrica “Falsas Esperanzas”. El segundo Acto, “Ocaso”, se abre con la instrumental “El Péndulo” en la que se mezclan guitarras acústicas y eléctricas a cargo de Mario García (Iguana Tango) y Pablo García (Warcry) sobre la tétrica orquestación de Joaquín Padilla, para dar paso a la oscura “Reinando En Su Propio Mundo”, en una onda cercana a los últimos tiempos de Mago De Oz, con una base pesada en la que mucho tiene que vez el bajista Niko Del Hierro (Saratoga) y las profundas voces de Kiko Hagall (Intrance, ex Beethoven R.) como el Reverendo Brandsby, Elisa C. Martín (Dreamaker) como Marie Louise Shew y la del recuperado Carlos Pina (Panzer) como Charles Frenno Hoffman, poniendo en duda una supuesta divinidad superior sobre el talento terrenal, a base de unos muy currados cruces de voces. La tristeza vuelve a hacerse presente en “Adiós Amor”, con la agonizante voz de Virginia (Patricia Tapia) en su lecho de muerte, y con un desesperado Poe (Leo) replicando a la Tuberculosis a la que pone voz Beatriz Albert (Ebony Ark), con un tétrico fondo instrumental en el que participan el teclista Javi Díez (Arwen, Jorge Salán), los guitarristas Jorge Salán, Abel Franco, Carlos (Mago De Oz) y Jero Ramiro (ex Santa, Saratoga, Ñu), y que va cambiando bastante de ritmo para acabar algo más alegre. Sigue el atormentamiento y la amargura con la desgarrada y densa “No Quiero Morir” en la que Poe mantiene un apasionado diálogo con su Conciencia a la que pone voz Joaquín Padilla, y a los que acompaña una instrumentación más discreta. El tema más gamberro y menos serio del disco viene a continuación con “Embriagado De Dolor”, con un ritmo alegre y rockanrolero ambientado en la taberna a la que iba Poe a olvidar sus penas y en la que sus compañeros de borracheras le reprochan su actitud altiva y su poca seriedad a la hora de pagar, ponen voz al tema Michel Molinera (Staffas) como Borracho, Arancha (Staffas) como Prostituta y Oscar (Lujuria) como Tabernero. Se acerca el final con “Fe Sin Dios”, corte de aires power metaleros muy melódico, en el que se mezclan con acierto las voces de La Muerte (Toni) y de La Conciencia de Poe (Joaquín), para ir apagándose en su instrumentación a la que colabora con sus solos el guitarrista Paco Laguna (Obús). El cierre definitivo lo pone “Alma Errante”, siguiendo en la misma línea musical a lo Helloween / Edguy, con una base machacona del batería Carlos Expósito (Stravaganzza, Jorge Salán) y del bajista Daniel Criado (XXL), que dan soporte a un intenso diálogo entre el Enterrador que aparece al principio de la obra (Alfred Romero) con otro segundo Enterrador con la voz de Falaise, al que intenta convencer el primero de lo que ha sucedido con el Gato Negro que no es otra cosa que Poe reencarnado. Así se cierra la historia con un final similar a su inicio con unas teclas misteriosas y con la sensación de haber degustado una delicatesen que poco o nada tiene que envidiar a las que nos vienen desde fuera y que debería convertirse por calidad, originalidad y trabajo invertido en uno de los clásicos de nuestra música. Ojalá sepamos apreciarlo como merece y pueda tener tanto continuidad discográfica con una segunda parte que ya está proyectada, y sobre todo a ver si es posible llevarla a las tablas y disfrutarla en formato de musical. Imprescindible.

Mariano Palomo

BASICO “Tierra De Barros”

(DFX Records / Locoomitive)

Después de mucha dificultades, papeleos, contratos, cartas de libertad y demás inconveniencias, estos luchadores chicos del Corredor del Henares, por fin ven como está en la calle su cuarto trabajo con el título de “Tierra De Barros”. Todo este tiempo de espera para escuchar en estudio sus nuevos temas, en directo ya lo habíamos hecho con la mayoría de ellos, ha valido la pena, siguen con la misma frescura, descaro, diversión y compromiso de siempre, pero con un punto más de calidad y comercialidad en lo que al sonido se refiere. Supongo que buena parte de culpa de esta mejora la tienen el productor Javier González Jimeno, el mezclador Toni Moreno y los ingenieros de sonido Manuel Arévalo Ramírez y el integrante de Boikot Kosta Vázquez, todos ellos han llevado a cabo un gran trabajo en los madrileños estudios Oasis que se refleja en la docena de temas que completan el disco. Y en cuanto a los temas, pues lo dicho, siguen con el inconfundible sello “Básico”, con algunos matices nuevos, sobre todo por la participación de unos muy interesantes invitados, y con esa mezcla de diversión y reivindicación, no exenta de calidad que siempre llevan a cabo, Arturo (voz), Rubén (guitarra), Javi (guitarra), Charly (bajo), Josete (batería) y Tito (voces). Abren el CD con “A Su Aire”, un tema alegre, lleno de ritmo, pegadizo y pop-rockanrolero , que podría ser perfectamente carne de single. Sigue la fiesta con “Noche Larga”, vacilona y gamberra, igualmente pegadiza con la voz de Arturo muy arriba, apoyada por los coros de Tito, y de las invitadas habituales Raquel y Ruth que se dejan notar aun más en la cálida y melancólica a medio tiempo “Soledad” donde también brillan algunos adornos acústicos. Siguen las colaboraciones femeninas en otra de las destacadas, “Canciones”, donde se mezclan guitarras eléctricas y acústicas, y en la que aparece la voz de Tahúres Zurdos, Aurora Beltrán para compartir protagonismo vocal junto a Arturo en un pedazo de tema que rezuma directa crítica a los que por negocio se empeñan en dejar el arte guardado en un cajón, y que creo tiene mucho de experiencia propia. Sigue la fiesta con “Si Pudiera”, otro corte alegre y pegadizo que ya hemos comprobado lo bien que funciona en directo, de nuevo con una destacada letra, al igual que la más urbana “De Un Tiempo Acá”, o la más vacilona “Colgado De Ti” en la que mete un buen solo a lo Stones el ex guitarrista de M Clan Santi Campillo. Aunque para letra la que se marca nuestro amigo y compañero de Radio Vallekas José Mora para “Se Refleja El Rock & Roll”, llena de melancolía callejera y cuyo título lo dice todo para dotar de sentido a una composición más contundente y gris en la que las guitarras se afilan para dar réplica a las voces más rasgadas de Kutxi Romero (Marea) y de El Trapa (Matando Gratix) que aportan su carisma junto a Arturo. A continuación vuelven a aparecer de forma destacada las voces de Raquel y Ruth para darle cuerpo a la optimista “Mundo Irreal”, y a la fiestera “En Tu Habitación”, tema marca de la casa con influencias Platero tan sencilla como efectiva y que seguro también tendrá hueco en sus próximos conciertos. La más corta “Condenados” tiene un ritmo algo más pesado marcado por el buen trabajo de Charly y de Josete, junto a las guitarras más rasgadas de Javi y Rubén, que continúan presentes en la final “Se Acabó” que vuelve a mostrar los buenos juegos de voces con la de Arturo más profunda y las de Ruth y Raquel más suaves. Cierre para un disco que sabemos de buena tinta ha costado sacar muy mucho, que llevaba un montón de tiempo en proyecto, pero que finalmente ya podemos disfrutar a plenitud y que sobre todo estamos deseando asistir a su presentación en directo. Si tienes ocasión de verles en concierto no te los pierdas, Básico son pura fiesta de Rock & Roll.

Mariano Palomo